Maria Overdrive

YouTube - Thru the Flowers by The Primitives

2010-02-19T01:28:00.000-02:00

YouTube - Thru the Flowers by The Primitives

Bandas que amam o Jesus & Mary Chain

2009-04-20T04:37:00.005-02:00

Os irmãos Reid continuam exercendo uma grande influência sobre um sem-número de bandas, muitas são meros pastiches daquele som suturado de microfonia e guitarras que encobriam as belas melodias do J&MC no clássico absoluto "Psychocandy", outras tentam emular Jim e William naquele som mais límpido, com guitarras dedilhadas e algumas batidas mais dançantes que a banda de Glasgow moldou a partir de seu segundo disco, "Darklands" (na época bem definido pela revista de Bizz como surf music de inverno com os momentos mais rock do New Order). O J&MC ainda se aprofundou mais no rock n roll em seus discos posteriores e criou um estilo peculiar, único em álbuns como "Honey`s dead" ou "Munki" e se desintegrou no fim dos anos 90, para voltar em 2007 (no festival Coachella) após "Just like honey" ter sido usada por Sofia Coppola em seu filme "Encontros e Desencontros"(Lost in Translation). Tocaram até por aqui ano passado e andaram recebendo a atriz Scarlett Johansson no palco para um dueto na citada "Just like honey". Enquanto a matriz não libera um cd com músicas inéditas, vamos no contentando em ouvir material antigo da banda e coisas do pessoal que como nós, adora o Jesus & Mary e não tem vergonha de deixar explícito seja no som, na estética ou mesmo no nome, como os suecos do... Like Honey.

Like Honey - Airport do EP de mesmo nome

The Sunday Reeds - Handgun to my heart do CD "Drowning in History"

Crocodiles - Refuse Angels do seu primeiro CD "Summer of Hate"

PS: Todos eles também amam os Beach Boys, o Joy Division, o Ride, o My bloody valentine, os pop groups dos 80's 90's, enfim todo aquele mix de noise & candy que quando bem feita sempre dá coisa boa!

Red Light Company - Fine Fascination (2009)

2009-04-19T22:59:00.006-02:00

O Red Light Company foi formado em Londres em 2007 por Richard Frenneaux (vocais/guitarra), Shawn Day (baixo), James Griffiths (bateria), Paul Mellon (guitarra) and Chris Edmonds (teclados) e lançou agora em Março, seu primeiro álgum "Fine Fascination" após uma série de excelentes singles. Comparados pela impressa britânica ao Arcade Fire, soam mais como o Suede, Minuteman (a banda inglesa, não confundir com a americana Minutemen) ou mesmo em alguns momentos ao Placebo dos primeiros momentos. Entre os muitos bons lançamentos deste ano, "Fine Fascination" - produzido por Adrain Bushby, que trabalhou com U2, Placebo, Foo Fighters entre outros - é um dos 5 maiores destaques até agora comprovando a indicação dada pelo NME, Guardian e outros como um dos sons para se ouvir nesse ano. Músicas como "Meccano", "Arts & Crafts", "The Architect" e "Scheme Eugene" e todas as outras fazem de "Fine Fascination" um disco que sem ouve do início ao fim sem nenhuma vontade de passar para a próxima faixa, e dá vontade de se ouvir várias vezes.

Arts & Crafts - Red Light Company

Kasms - Spayed (2009)

2009-04-17T11:13:00.002-02:00

Rachel Mary Callaghan, Gemma Fleet, Scott R. Walker and Rory Brattwell são os quatro membros do Kasms e eles entitulam sua música como "Shriekbeat" que talvez seja a palavra escolhida para descrever a bem-feita mistura de Art Rock (no estilo YYs fase "Fever to Tell"), Rock 80's (principalmente Bauhaus e Siouxsie & The Banshees) e Punk. A banda de Londres lança agora em Maio, seu primeir oCD cheio, "Spayed" com vocais gritados ao extremo de Rachel e guitarras altas prontas estourar os tímpanos dos incautos. Boa aposta e um dos bons lançamentos de 2009!

Taxidermy Spayed - by Kasm

Amusement Parks on Fire

2007-10-14T17:39:00.001-02:00

Com vocês "A star is born" do Amusement Parks on fire, do CD "Out of Angeles" um dos melhores discos dos últimos anos (foi lançado ano passado). Influência de My bloody valentine, Swerverdriver, Smashing Pumpkins e outros resultam num som matador, climas calmos que são quebrados por volume máximo das guitarras, maravilhosos é pouco, essencial!

mog.com

More about this song

Plasticines "loser"

2007-10-14T03:59:00.000-02:00

"Nove, Novena" de Osman Lins

2007-05-20T22:41:00.001-02:00

A literatura de Osman Lins sempre foi considerada difícil. Em suas próprias palavras, Lins, era um “artesão das palavras” e já em seus três primeiros livros pode-se perceber sua maestria na narrativa e a lapidação de um estilo próprio que se consagrou de vez em “O Fiel e a pedra” de 1961 que seguiu o livro de estréia “O visitante” e os contos de “Os gestos” de 1959. Porém, foi em “Nove, Novena” lançado em 66 e que trazia o subtítulo de narrativas ao invés de contos que o autor pernambucano levaria ainda mais ao extremo seus experimentos com a técnica de narrar e assim prepararia terreno para os romances “Avalovara” e “A rainha dos cárceres da Grécia”.

“Nove, Novena” é uma ruptura não apenas na obra de Osman Lins mas um marco da literatura brasileira contemporânea mas é ao mesmo tempo, é extremamente prazeirosa sua leitura, literatura trabalhada e texto bem urdido não deveriam ser sinônimos de impossibilidade mas sim atrativos à leitura.

Nas nove narrativas do livro encontramos uma verdadeira polifonia de sentidos, interpretações e caminhos pelos quais enveredamos para achar outros e outros. A primeira coisa que Osman Lins muda é a própria relação do leitor com a obra, pois ao contrário de apenas ler, somos convidados a co-participar do que o autor nos oferece. Lins apenas sugere ao invés de afirmar, Seu texto claro parece sempre deixar em aberto o que realmente aconteceu ou não na vida de seus personagens. Enfim, com extrema competência e coesão, Osman Lins nos faz pensar.

Em ”Conto Barroco ou Unidade Tripartita” o autor nos conta a estória de um capataz que deve matar alguém a mando de seu patrão sem saber a razão. Ao contrário do que se poderia esperar, pode-se inferir não apenas mais de um final do texto, mas também o desenrolar do conto é apenas proposto por Lins, a multiplicidade de versões ao invés de confundir apenas soma à experiência da leitura.

Talvez o conto mais famoso de “Nove, Novena” seja “Retábulo de Santa Joana Carolina”, conto inspirado na avó paterna de Lins e que em quase 50 páginas atinge a profundidade que somente alguns romances logram alcançar. O conto é divido em 12 mistérios e neste, é narrada a vida de Joana, sob vários pontos de vista, da infância à velhice, a Paixão de Joana é narrada de forma digressiva, tendo cada mistério seu início, meio e fim. A vida simples de uma professora de uma pequena cidade torna-se épica, mítica e bíblica em uma narrativa permeada de símbolos do zodíaco, paisagens áridas, personagens duros, dor e sofrimento que são mostrados de forma cristalina até o momento final de Joana Carolina.

Mais exemplos inovadores são encontrados em “Pentágono de Hahn” que mostra como a passagem de uma elefanta se relaciona com a vida de 5 pessoas em uma cidade que são representadas por símbolos gráficos. Hahn e os amores, ódios, frustrações, medos e solidões dos personagens são revelados em pequenos trechos em que se alternam as vozes.
Em “Noivado” que usa metáforas com insetos para descrever a vida burocrata de um funcionário público e “Perdidos e Achados” no qual em meio a monólogos sobre moluscos, crustáceos e peixes, um pai procura seu filho que havia se perdido vindo a morrer afogado em uma praia. Uma voz não identificada fala sobre a vida no mar e tal discurso é continuado pelo pai perplexo da criança morta, um discurso sobre os primórdios da vida.

Ao final de cada narrativa, tem-se a sensação de doce atordoamento, pois como foi dito antes, Osman Lins nos faz pensar em um turbilhão de possibilidades que se abrem de seus textos, um autor que mesmo tendo morrido há quase 20 anos ( 8 de julho de 1978) e que teve ampla participação no meio cultural do país, tendo escrito, livros, peças de teatro e mesmo roteiros para especiais de TV, ainda é pouco conhecido mesmo por aqueles acostumados à leitura. Aventure-se conheça Osman Lins, não há como se arrepender.

Trecho de Retábulo de Santa Joana Carolina
“Vamos carregando Joana para o cemitério, atravessando a cidade e seu odor de estábulos, de cera virgem, de leite derramado, de suor, de frutas, de árvores cortadas, de muros úmidos, entre Floras e Ruis, Glórias e Sálvios, Hélios e Teresas, Isabéis e Ulisses, Josés e Veras, Luizas e Xerxes, Zebinas e Áureos. Viveu seus anos com mansidão e justiça, humildade e firmeza, amor e comiseração. Morreu com mínimos bens e reduzidos amigos. Nunca de nunca a rapinagem alheia liberou ambições em seu espírito. Nunca o mal sofrido gerou em sua alma outras maldades. Morreu no fim do inverno. Nascerá outra na próxima estação? O branco, o verde, o gris. Alvos muros, cipreste, lousas sombrias. Sob a terra, sob o gesso, sob as lagartixas, sob o mato, perfilam-se os convivas sem palavras. Cedros e Carvalhos, Nogueiras e Oliveiras, Jacarandás e Loureiros”.

O que contei a Zveiter sobre sexo

2007-05-20T19:19:00.000-02:00

João transa com a própria mãe, transa e casa com a ex-amante de seu falecido pai, que era casada com Júlio, o melhor amigo daquele e, anos depois mantém relações com a nova esposa de Júlio e também com a filha deles Angélica. Entre estas e outras histórias, passam tias, primas, mulheres de meia-idade e provectas senhoras, mendigas, prostitutas, donas de casa e mulheres aparentemente “normais”, etc. O cardápio de João é vasto, só o desejo o guia, desejo exclusivamente hetero, apesar da proximidade do protagonista com todos os tipos de manifestações eróticas possíveis. Pelo romance flanam com naturalidade, lésbicas, travestis, gays, masoquistas, sados, etc.

As aventuras de João são escritas em forma de memórias, que às vezes parecem ser puro delírio, pura farsa de tão rocambolescas. João às vezes lembra o Quixote, mas ao invés de lutar contra moinhos de vento, João combate o desejo sempre seguido de autocomiseração, culpas que são logo esquecidas ao vislumbre de uma bunda bem torneada, um par de coxas ou seios. João é um Quixote urbano, um anti-herói no exato sentido do termo, um doce canalha que tem suas memórias analisadas pelo doutor Zveiter do título, por interferência de Ivana com que João tenta levar uma vida assentada.

João anda pelas ruas do Rio de janeiro, das zonas de meretrício aos apartamentos de luxo da zona sul, passando até mesmo por favelas, trabalha ora como revisor ora como cafetão para um grupo de masoquistas, outras vezes vive apenas sustentado por alguma de suas amantes ou de subempregos. João vaga pelas páginas do romance com leveza apesar de toda sordidez de suas aventuras, graças ao estilo simples, sem floreios, porém muito bem trabalhado do autor Flávio Braga, paulista radicado há anos no Rio. O picaresco tropical e caliente destas páginas remete por vezes ao narrador de “A fúria do corpo” de João Gilberto Noll, mas o clima aqui é outro, João, em seus martírios e desatinos sem-vergonhas, nos leva freqüentemente a sorrir, não de pena ou nervosismo, mas sim – e por que não? - com certa cumplicidade advinda da identificação com seus dramas e jeito de ser. João é talvez o resultado da soma de todas as taras sejam masculinas ou femininas que ficam engavetadas no fundo dos pensamentos. João é um personagem que age, formado em letras “mas não intelectual”, conforme publicado em uma revista de encontros sexuais. João pensa rápido, cede à ação e depois se arrepende, por pouco tempo, porém.

Enfim, o livro de Braga – que também nos lembra bastante o mestre Rubem Fonseca – mostra um personagem cativante e humano que nos faz devorar a obra em um só fôlego.

Melhores CDs de 2005 - final

2006-01-20T22:18:00.000-02:00

9 - Serena Maneesh

Os órfãos do noise do J&MC, My bloody valentine e mais recentemente de BRMC (já que estes aboliram as distorções e microfonias) podem celebrar o surgimento do Serena Maneesh, banda que vem da Noruega (aliás muitas coisas legais têm vindo de países como Noruega, Islândia, Suécia etc. nos últimos anos. Mew, Sigur Ros, Radio Dept, Shout Out Louds Raveonettes entre muitos outros comprovam isso) e lançou este seu primeiro cd ano passado, no dia 14 de novembro.
A banda é praticamente um cara só, Emil Nikolaisen e mais alguns amigos tocando com ele, entre eles, Sufjan Stevens. Elvira, a irmã de Emil canta empresta seu vocal delicado a “Her name is suicide”, espécie de cruzamento entre Angelo Badalamenti e Julee Cruise com o My Bloody Valentine fase “loveless” e “Sapphire Eyes High” que oscila entre um noise cheio de riffs de guitarra repetidos exaustivamente e um suave britpop com o vocal doce de Elvira. Mas o cd não fica apenas na linha rock viajante e sonhador, o barulho aparece com força em faixas como na bluesy “Beehiver II” que lembra demais os dois primeiros do Black Rebel Motorcycle Club, na grandiosa “Don’t Come down here” que alterna momentos acústicos com violões e vai até o noise para voltar ao clima meio acústico. O disco que foi gravado em Oslo, Chicago, New York e Estocolmo, é perfeito do início com a abertura noise e pop de “Drain Cosmetics” até a última faixa, verdadeira demonstração do poder sonoro do Serena Maneesh, “Your blood in mine” com mais de 12 minutos de que começam no violão com alguns ruídos e vocais doces ao fundo para pouco a pouco darem lugar caos que vai crescendo lentamente até se tornar uma verdadeira explosão sonora que dura uns 4 minutos para ent]ao ceder espaço a um novo período de calmaria ao piano como se o Serena Maneesh quisesse terminar o cd dando um alívio a quem o ouve dizendo que o mundo ainda não acabou. E ainda que não acabou pois assim ainda ouviremos mais coisas desta banda. Um grande disco e uma grata surpresa!

10 – Cold Roses – Ryan Adams and the Cardinals

Ryan Adams lançou 3 cds em 2005. Este “Cold Roses” (duplo) e mais “Jacksonville City Nights” e “29” os dois primeiros tendo o apoio dos Cardinals - JP Bowesock e Cindy Cashdollar nas guitarras, Brad Pemberton na bateria e Catherine Popper no baixo – e todos, uma volta declarada a suas raízes mais alt-country, numa fuga consciente do rock alternativo do excelente “Rock n Roll” que poderia virar uma espécia de fórmula e se repetir até à diluição. Uma aposta arriscada de Adams. Mas ao que parece ele conseguiu se dar bem, se “29” e “Jacksonville...” são bons discos, este “Cold Roses” é ótimo. É o mais pop dos 3 lançamentos mas também tem canções de partir o coração, baladas com acento country que transitam entre uma e outra canção mais rock como “Beautiful Sorta” ou pop como a maravilhosa “Let it Ride” ou “Cherry Lane”. Destaques para “Magnolia Mountain”, “Sweet Illusions”, “Meadowlake Street”, “When will you come back home”, “How do you keep love alive”, “Dance all night”, “Easy Plateau” e “Friends”, um belo disco do cara que já foi chamado de “novo” Bob Dylan. Ryan Adams com certeza nunca sera Bob Dylan, aliás ninguém vai ser Bob Dylan, os Beatles ou Nirvana ou qualquer outra banda / cantor influente mas se ele continuar sendo o Ryan Adams de discos como “Gold”, “Love is Hell”, “Rock n Roll” ou estes 3 de 2005 e em especial “Cold Roses” já estaremos bem servidos.

Assim a minha lista de melhores cds do ano ficou assim:
1 – Howl – Black Rebel Motorcycle Club
2 - Nashville - Josh ROuse
3 - Apologies to the queen Mary - Wolf Parade
4 - Here come the Tears - The Tears
5 - Bang Bang Rock n Roll - Art Brut
6 - Open Season - British Sea Power
7 - Silent Alarm - Bloc Party
10 - Cold Roses - Ryan Adams and The Cardinals
11 -Young for Eternity - The Subways
12 -Hearts and Unicorns - Giant Drag
13 - The Back Room - The Editors
14 - Turn against this land - DOGS
15 - Howl Howl Gaff Gaff - Shout Out Louds
16 - Capture/Release - The Rakes
17 - The Others
18 - LCD Soundsystem
19 - I am a bird now - Antony and the Johnsons
20 - Playing the Angel - Depeche Mode

e mais:

With Love and Squalor - We are Scientist
You could have it so much better – Franz Ferdinand
Stars of CCTV - Hard-Fi
Alligator - The National
Noah´s Ark - CocoRosie
Clap Your hands say Yeah
The New Fellas - The Cribs
Devils and Dust - Bruce springsteen
Chaos and creation in the backyard - Paul McCartney
Dirty Words - The Departure
The Magic Numbers
The Constant Lover - Magneta Lane
Give Blood - The Brakes
Kicking Television - Wilco
Prairie Wind - Neil Young
Trains to Brazil/I saw such things... - Guillemots
Everything is - Nine Black Alps
Cut Across the land - Duke Spirit
Black Ray Defence - The Beat Up
Pretty in Black - The Raveonettes
Make Believe - Weezer
Bleed like me - Garbage
Exhibit A - The Features
We have sound - Tom Vek
The light at the end of the tunnel is a train - Whitey
The Repulsion Box - Sons and Daughters
A certain trigger - Maximo Park

No Brasil tivemos também excelentes lançamentos como o "4" dos Los Hermanos, "Futura" do Nação Zumbi e o Cansei de ser Sexy mas isso é pra outro post.

E claro que outros grandes disco foram lançados em 2005, alguns eu não ouvi bem, outros simplesmente não ouvi ou não gostei (mesmo com muito hype em cima) como o do Babyshambles que apesar de ter "Fuck Forever" talvez a melhor música do ano, decepcionou com seu "Down in Albion".
Se der faço um melhores de 2005 dos filmes, antes que 2006 acabe, é claro... :-)

8 - Coles Corner - Richard Hawley

2006-01-16T22:27:00.000-02:00

Richard Hawley é de Sheffield na Inglaterra e já tocou no Longpigs e no
Pulp como guitarrista convidado no álbum "We love life", além de já ter
tido um projeto com o vocalista Jarvis Cocker mas atualmente, Hawley
vem chamando a atenção, ainda que de poucos, por sua excelente carreira
solo iniciada com o cd "Late Night Final" de 2001.
Hawley faz canções com um grande acento de rock antigo dos anos 50 e
60, sem medo de soar piegas ou antiquado, Hawley, traz para sua obra
influências de gente como Roy Orbinson (talvez a maior), Johnny Cash e
Scott Walker por exemplo. A voz de crooner de Hawley fala sobre amores
perdidos, pessoas solitárias, estradas e desilusões com uma classe que faz sorrir de orelha à orelha quem o ouve pois mesmo soando tão triste a música de Hawley não é do tipo que te deixa deprimido, é uma tristeza estranhamente belz ao invés disso. Alguém falou dele como o Chris Isaak que deu certo, mas com o lançamento deste "Coles Corner", seu terceiro cd solo, Hawley foi além das comparações, apurou de forma magistral seu estilo dosando em suas baladas grandes arranjos de cordas como nos velhos standards americanos de trilhas sonoras de filmes dos anos 40 como na abertura do cd em “Coles Córner” que remete até mesmo a um Sinatra rejuvenescido; Em “Just Like the Rain”,segunda faixa do cd, Hawley acelera um pouco o ritmo e toca um country cheio de classe para chegar em “Hotel Room”, romântica que evoca memórias de alguém que você ama/amou.
Em canções lentas, atmosféricas, permeadas de slides, dedilhados de guitarra, a voz de crooner de Hawley e os espectros de Roy Orbinson e cia.. letras simples e pungentes, cordas grandiosas porém na medida certa, Hawley praticamente atinge a perfeição. Ouça especialmente “Wait for me”, “The Ocean” e “Born under a bad sign”, trio que melhor sintetiza o que é o disco, e aproveita e corra atrás também dos dois primeiros excelentes deste compositor que parece melhorar com o passar do tempo.

British Sea Power / Bloc Party

2006-01-15T23:22:00.000-02:00

6 - "Open Season" - British Sea Power

Em 2003 o BSP lançou o seu cd de estréia, "The decline of British Sea
Power" nesta época a banda de Brighton, Inglaterra era um quarteto que
tocava usando uniformes militares com um vocalista cantando coisas do
tipo: “Oh Fyodor you are the most attractive man I know / Your Russian heart is strong and has been bleeding for too long / Oh my lassie, it's like bad acid / It's getting nasty, she knows / Gymnastic whores down on all fours/ With septic balls from fucked up whores / Well, I would like to give you more, my lassie / Oh my lassie, it's like bad acid / It's getting nasty, she knows”, da música de título também esquisito "apologies to insect life". O som era calcado no melhor do rock inglês anos 80/90 como Joy Division/New Order, Wedding Present, Echo and the bunnymen, Smiths entre outras, com uma pitada de guitarras altas e distorcidas como nas já clássicas "Remember me", "Carrion" e "Fear of Drowning", no single "Spirit of St. Louis". O pop mais calmo também tinha sua vez em "Decline..." como na bela "Blackout" ou "The Lonely". O disco é matador, mas passou meio em branco.
Porém, o BSP não desistiu, 2 anos se passaram e a banda ganhou
maturidade e mais sarcasmo em suas letras até lançar no início de 2005 o seu segundo CD, "Open Season". Bem mais calmo que a estréia, menos agitado e furioso mas não inferior, "Open Season" apresentou um novo integrante, um tecladista, novas letras estranhas como a da faixa de abertura, "It ended in an oily stage" e se por um lado reafirma
as principais influências no som do grupo, como Bowie e Echo, parece
definir no geral, também um estilo próprio, o estilo BSP de fazer música. o disco começa com a pop "It ended up..." passa por "Please stand up" com cara de hit, refrão meio épico, viagens meio progressivas como "True
Adventure", baladinhas como "The Land beyond" e "North Hanging Rock” e outros achados como “Larsen B”, “Victorian ice” e “Be Gone” (esta incorporando totalmente as influências de Bowie), tudo muito bem
produzido, sem exageros; muitos criticam a falta de peso nesse cd e
outros comparam de forma depreciativa a semelhança com bandas antigas ou
mesmo mais novas como o Interpol (particularmente eu não vejo esta
semelhança, já que o Interpol é o clone, bem sucedido diga-se de passagem de Joy Division) mas o BSP mostrou que mais do que ser uma banda que vive de comentários como muitas hoje em dia, é uma das melhores da atualidade (inclusive em shows, nos P2P da vida dá para baixar shows dos caras e eles mandam muito bem ao vivo)e que merecer ser ouvida com toda atenção.

7 - "Silent Alarm" = Bloc Party

Os caras do Oasis e do Art Brut não gostam mas o som do Bloc Party é muito
consistente e seu disco de estréia um dos melhores de 2005. Seguem o que foi publicado aqui no Maria Overdrive ainda em Maio/2005:

Dizem que o Bloc Party é o novo Franz Ferdinand e é fato que o vocalista Kele Okereke ainda em 2003 apresentou-se da seguinte forma a Alex Kapranos do FF: “hello, my name is kele and i sing in a band. we're influenced by the cure, the pixies, joy division, sonic youth and talking heads. can i send you a cd?” e além disso Bloc Party abriu vários shows do FF mas na minha opinião a banda de Kele Okereke (Voz e guitarras), Gordon Moakes (baixo), Russel Lissack (Guitarra) e Matt Tong (Bateria) é melhor que FF porque vai mais de encontro as bandas citadas acima por Kele ao invés de limitar-se a reciclar o som do Gang of Four como o FF.
Depois de uma série de singles, o Bloc Party lançou este ano, em janeiro, “Silent Alarm” e mostrou que pode ir além do hype e ter uma carreira consistente. O álbum em si não é inovador como são os álbuns de TV on the Radio, Arcade Fire, Dresden Dolls por exemplo, mas é excelente do início ao fim.
Das faixas mais pop como “Blue Light” e “Modern Love” até as mais rápidas como “Like eating glass”, “Banquet” , “She´s hearing voices”, “Luno” passando por sons mais atmosféricos e trabalhados como “Plans” e “Compliments”, o disco mostra uma banda absorvendo bem suas influências e caminhando para um som próprio além de ótimas letras (“Wake up dreamer/It's happening without you/Cut your hair and shave your beard/You squandered your chances/I'll give you a thousand pounds/To show me how you do it/Stop being so laissez-faireWe're all scared of the future” Plans). Baixe o cd

Os melhores de 2005 - 4 & 5

2006-01-08T21:44:00.000-02:00

4 - Here comes the Tears - The Tears

Reconheço que apesar de ser um grande fã das bandas inglesas dos anos 80 e 90 e ter os smiths como meu grupo favorito de todos os tempos, sempre tive um pé atrás com o Suede, e confesso também que esta cisma não tinha muita razão, eu simplesmente não ouvia e dizia que não gostava. Em 2004, um cd de mp3 com toda a coleção do Suede que me foi dado por um colega de trabalho, corrigiu este equívoco lamentável e preparou meus ouvidos para a reunião de Brett Anderson e Bernard Butler depois de algum tempo separados. O cd é excelente do início ao fim, recheado de pop songs no melhor estilo Suede como não poderia deixar de ser. Em “Here come the Tears” temos rocks rápidos, com melodias assobiáveis e aqueles refrões que você quer cantar junto como “Refugees”. “Autograph”, “Two Creatures” e “Lovers” e belas baladas como “Co-Star” e “Fallen Idol”. Andei lendo as opinões de alguns fãs que detestaram o disco mas com canções pop com apelo irresistível e boas letras este disco entra fácil entre os meus melhores do ano.

5 – Bang Bang Rock n Roll – Art Brut

Talvez não haja nome de banda que explique melhor o que é a banda do que Art Brut. O som é forte, intenso do tipo que te pega de surpresa, eu não esparava que fosse tão bom. E as letras são um caso a parte, são quase manifestos mas nada de discurso chato é claro, é só ouvir, “My little Brother” onde o vocalista Eddie Argos com seu sotaque inglês até debaixo d’água, começa dizendo que seu irmão mais novo descobriu o rock n roll e que agora há um barulho em sua cabeça e que ele está fora de controle, para terminar a música dando um conselho para o irmãozinho: Stay off the crack!!!”. Impagável. Talvez o rock que o irmão de Argos tenha descoberto seja este novo rock que vem sendo feito por bandas ótimas nos últimos anos e o Art Brut com este disco com sons já clássicos como “Formed A band”, “Emily Kane”, “Modern Art”, “Fight”, a citada “My Little Brother” entre outros petardos tocados com fúria típica das boas bandas do bom e velho rock.

O Terceiro melhor CD de 2005

2006-01-01T19:26:00.000-02:00

3 - Apologies to the queen Mary

Wolf Parade vem do Canadá... isso atualmente já é praticamente um selo de garantia... mas aí tem mais, em 2004 eles abriam para o Arcade Fire e eles às vezes lembram Arcade Fire..., para muita gente boa isso é quase a certeza de que a banda boa (embora algumas pessoas teimem em tachar Arcade Fire de "banda superestimada", posto que em minha humilde opinião vai para o bom Franz Ferdinand); Bem, o Wolf Parade chamou a atenção de muita gente boa, inclusive dos cras do Modest Ouse e do pessoal da Sub Pop que os contratou. Em 2005 lendo algo sobre o Arcade Fire vi um dois integrantes da banda citar o WP, corri atrás e vi que os comentários elogiosos não eram sem razão. O som dos caras lembra sim Arcade Fire mas é apenas uma lembrança no mix alucinado e poderoso que a banda promove até alcançar seu som único. Punk, barulhinhos de teclados, vocais meio desafinados, gritados, acelerados, soando como David Bowie (a cargo de Dan Boeckner e Spencer Krug), guitarras bem rápidas e com peso, letras falando de fantasmas e morte, melodias pop, enfim, vários elementos que se misturados por outras bandas soariam fora de contexto no som do WP se encaixam perfeitamente, fazendo deste "Apologies..." o melhor disco de estréia desse ano disparado, e um dos 3 melhores. Ouço as fantásticas "We built another world", "Fancy Claps" e o hit indie "Shine a Light" e leio que ao vivo o WP é tão enérgico e cativante quanto o próprio Arcade Fire e fico torcendo para que num milagre desses que vêm acontecendo em termos de shows aqui no Brasil, possamos ver Wolf Parade tocando aquelas músicas ou sons como a deprê e ao mesmo tempo furisosa "Same Ghost every Night" ou meio épica e desesperada "I'll believe in Everything". Seria uma ótima pedida!

A continuação dos melhores CDs de 2005 - Josh Rouse

2006-01-01T18:36:00.000-02:00

2 - Nashville - Josh Rouse

Quinto álbum de Josh Rouse, que eu descobri numas dessas listas de melhores do ano da vida, feita pelo Kid Vinil onde ele colocava entre seus 100 melhores discos de 2002 o terceiro lançamento de Rouse, "Under cold blue stars", que misturava Country com Smiths, Cure e Marvin Gaye num disco que com letras sobre um looser que saía de casa, vagava pelos EUA e no fim do cd, retornava ao lar. Esse disco me pegou de jeito, pois a música de Josh é extremamente simples à primeira audição mas conforme se ouve, podemos descobrir os detalhes, as tramas dos instrumentos, um pop quase perfeito e melhor sem a afetação que muitas bandas que buscam o tal "pop perfeito" têm. Depois de "Under cold blue stars", Josh lançou em 2003, o fabuloso "1972" onde mesmo não sendo um grande vocalista (daqueles de ter vozeirão) fez a proeza de aprofundar suas influências de Marvin Gaye (a quem já tinha homenageado com uma canção homônima em seu segundo cd "Home") e soul music dos anos 70. Logo após o lançamento de seu primeiro DVD (The smooth sounds of Josh Rouse) em 2004, Josh lançou este "Nshville" logo no começo de 2005.
"Nashville", cidade onde Josh viveu mais da metade da vida e da qual se mudou para viver na Espanha ano passado, ao contrário do que se pode imaginar não é um disco de country de raiz, é claro que no som de Josh é possível perceber uma influência de country, seja na gaita que abre "My love has gone" ou no pedal steel que permeia músicas como "Streetlights" e "Caroliña" mas o que se ouve em "Nashville" é um artista em pleno domínio do ato de compor letra e música, no auge de sua criatividade, o som é POP como não se faz hoje em dia, doce, suave, romântico sem ser piegas ou exagerado, produção limpa, e pérolas como as músicas citadas e "saturday", "Winter in the Hamptons", "Sad Eyes" e "Life" baladinha levada ao violão que fecha o disco com sua letra absurdamente boa de tão simples: "Life is good sometimes it´s bad it has its ups and it has its donws just sing a song and feel all right cause that´s just life and if you’re lost don’t be sad there are good times to be had just sing a song and let love shine cause that’s just life that's just life that's just life so darling don't cry". Numa palavra só: "Genial"

Volta do Maria OVerdrive e Melhores do Ano

2006-01-01T18:03:00.000-02:00

Depois de um longo recesso o Maria Overdrive está de volta... primeiro quero desejar aos que lêem o blog um bom ano novo!

Fim de Ano / Início de ano é a época das retrospectivas... então neste retorno às atividades vou postar
os meus melhores de 2005.
Para começar o melhores CDs do Ano que passou.

Howl - Black Rebel Motorcycle Club
O trio de São Francisco se viu reduzido a um duo com a saída temporária de seu baterista Nick Jago em 2004 devido a problemas com drogas. Foi então que Robert Levon Bee (ex- Tuner) e Peter Hayenes, o duo restante resolveu desplugar as guitarras, deixar as referências ao som do Jesus and Mary Chain de lado e fazer um trabalho mais voltado ao folk e blues. Parecia o fim da banda mas não foi, primeiro porque o resultado sai excelente, forte , coeso como os 2 ótimos albúns anteriores da banda ainda não haviam sido, e depois porque Nick Jago voltou para a banda antes do término das gravações.
"Howl" (homenagem a Allen Ginsberg) é um pequeno clássico. Os folks e blues soam tão pesados quanto as antigas distorções e microfonias da banda. Da primeira música, "Shuffle your feet" que começa com coro de vozes dizendo "Time won't save our souls" para cair num country que remete diretamente a Dylan assim como "Still Suspicion Holds You Tight", "Promise" e a maravilhosa "Complicated Situation" no entanto existe algo original no BRMC atual que nos mostra que a mudança abrupta de estilo foi para melhor, pelo menos por enquanto, pois com as músicas citadas acima e outras como "Devil's waitin'", "Gospel Song" e "Sympathetic Noose" o BRMC fez o melhor cd desse ano, um cd recheado de blues e country ou lamurientos ou acelarados que nos faz imaginar qual foi o caminho trilhado pela banda desde sua quase dissolução até este lançamento e volta triunfais, nada melhor do que a dor e a angústia para produzir estes momentos sublimes do Rock.

Ninguém pode saber

2005-07-30T15:49:00.000-02:00

4 crianças mudam-se com a mãe para um pequeno apartamento alugado em Tóquio, o detalhe é que apenas o mais velho vem ao lado da mãe, outras duas vêm em malas e outra, uma menina vem apenas a noite, também escondida. Ninguém deve saber que as crianças – todas filhas de pais diferentes – moram com a tresloucada mãe que sempre que arranja um namorado novo some por uns dias deixando apenas um pouco de dinheiro com o filho mais velho de apenas 12 anos, Akira, vivido por Yuya Yagira, para que ele administre a casa e cuide dos irmãos. Tudo segue assim nessa estranha rotina, a mãe trabalhando e desaparecendo por alguns dias, as 3 crianças menores vivendo no apartamento sem ao menos poder chegar na varanda quanto mais sair para as ruas, ninguém indo à escola, até que um dia, a mãe some de vez, deixando apenas um bilhete e dinheiro, é aí que Akira sem perceber viverá seu processo de amadurecimento complemente precoce, quando é jogado na vida de forma abrupta tendo que administrar o dinheiro, fazer compras, cuidar dos irmãos e arranjar tempo para jogar videogames. É claro que não dá certo, as contas se acumulam, os serviços vão sendo cortados, o dinheiro acaba, as crianças se alimentam mal, andam maltrapilhas, a casa fica uma bagunça e até fede... quase no fim do filme, a menina mais nova morre.
Fico mais uma vez imaginando que se filmes como “Clean”, “Ninguém pode saber” entre outros fosse dirigidos/escritos pelo pessoal de Hollywood, seriam dramalhões horrorosos mas felizmente, “Ninguém pode saber” (Dare Mo Shiranai) filme de 2004 exibido comercialmente só este ano no Brasil, foi escrito, dirigido e produzido por um cineasta japonês chamado Hirokazu Koreeda, e talvez o cinema asiático de uma forma geral, seja hoje em dia o que melhor trata das questões humanas, com lirismo, concisão e força.

Koreeda tem em seu currículo, entre outros, o filme “Depois da vida” de 1988 que já tinha chamado atenção da crítica e do público ocidentais para o nome de Koreeda.
Em “Ninguém pode saber”, o diretor baseou-se em fatos reais acontecidos na década de 80 no Japão quando crianças foram abandonadas pelos pais mas logo em seu início há um aviso: o filme é uma ficção mas mesmo assim a forma com que foi feito faz com que ele torne-se quase um documentário de Koreeda, que com a câmera na mão acompanha o cotidiano de Akira e seus irmãos Kyoko de 10 anos (Ayu Kitaura), Shigeru de 7 anos (Hiei Kimura) e Yuki (Momoko Shimizu), apenas 4, dentro do apartamento. Eles seguem levando a vida em seu mundo particular até que os fatos reversos comecem gradualmente a minar a estrutura familiar que ainda resistia entre eles.
A beleza de “Ninguém pode saber” provoca reflexão pois o que é mostrado não são acontecimentos que ocorrem exclusivamente na sociedade japonesa mas que poderiam ser vividos em qualquer parte do mundo, o pequeno mundo das crianças dentro do apartamento e depois fora dele, quando elas começam a sair, é na verdade, uma pequena parte da nossa vida de uma forma geral. Algumas cenas são reveladoras como a em que Kyoko pergunta a Akira se ele está resfriado devido a sua voz estar mais grave, o tempo passa Akira cresce mas ainda é um menino que se encanta com jogos de videogame. A inocência pode até estar soterrada sobre escombros da realidade dura mas está lá, viva.
Por sua interpretação magistral, o garoto Yûya Yagira ganhou a palma de ouro no festival de Cannes/2004 mesmo tendo a premiação contestada por alguns devido a sua pouca idade ele foi o vencedor – defendido inclusive pelo presidente do júri naquele ano, Quentin Tarantino – e pelo que vemos na tela, com todos os méritos pois junto com seus “irmãos” e todo o elenco, dá uma verdadeira aula de cinema em um filme feito para ser relembrado para sempre.

"Clean"

2005-07-25T16:03:00.000-02:00

“Clean” (2004) é um filme do diretor francês Olivier Assayas – dele também são “Os destinos sentimentais”(2000), “Demonlover” (2002) entre outros; “Clean” conta a história de um mulher casada com um astro decadente do rock que morre de overdose de heroína em um quarto de hotel no Canadá sua terra natal. Emily Wang é interpretada pela ex-esposa de Assayas, a fantástica Maggie Cheung (de “Hero” e “Amor a flor da Pele”) que aparece em 90% das cenas do filme e por este papel, recebeu a palma de outro n ofestival de Cannes. Após a morte de seu marido, Lee Hauser (vivido por James Johsnton), Maggie que também é cantora e também é viciada em drogas pesadas, é acusada de ter comprado a heroína que matou Lee e por isso, acaba passando 6 meses na prisão. O filho de Emily é criado pelos avós paternos vividos por Nick Nolte e Martha Henry, ambos em grandes atuações. Impedida de ter a guarda do filho, viciada, desempregada e sem perspectivas de vida, assim está Emily ao deixar a prisão, o filme em mãos erradas poderia render mais um dramalhão choroso ou um daqueles filmes insuportáveis sobre drogados, mas nas mãos de Assayas, “Clean” é um filme sobre a busca de redenção pessoal sem exageros, Emily deixa o Canadá e em Paris tenta reconstruir sua vida, procura pessoas, mostra as músicas que gravou na prisão a uma antiga amiga, busca trabalho, se mete em algumas confusões e descobre que a meta a ser estabelecida para que ela possa encontrar sua vida, se livrar das drogas e voltar a ter a guarda do filho que acha que ela é a culpada pela morte do pai.

A partir daí o filme narra a busca de Maggie em busca de uma pureza nunca vivida e que parece ser inalcançável a cada novo tropeço ou dificuldade. O que mais chama a atenção é a elegância com que a trama se desenvolve contrastando com o clima apelativo que filmes com essa temática tendem a apresentar. A trilha sonora de Brian Eno, rarefeita, hipnótica cria um pano de fundo perfeito para as atuações de Cheung e Nick Nolte principalmente, intensos e ao mesmo contidos, as cenas do encontro de Emily com seu filho comprovam isso, num filme típico americano seria uma oportunidade para o drama fácil mas Assayas nos mostra apenas mais um passo de Emily tentando ultrapassar seu inferno pessoal e chegar no que para ela seria o paraíso. A fotografia de Eric Gautier é outro elemento importante para o êxito do filme e junto com a câmera sempre em movimento de Assayas dão á trajetória de Emily o um certo nervosismo típico de uma vida errática ao mesmo tempo que expõe a personagem de um forma que o espectador torna-se íntimo do que está acontecendo no filme. Você tem a impressão de conhecer a Emily de Maggie Cheung de algum lugar e o fato de Clean ser um filme enxuto, minimal, preciso, não apaga essa sensação de forma alguma.
No fim de “Clean”, Emily aparentemente conseguirá sua redenção: Após receber uma proposta de uma gravadora de São Francisco/EUA para gravar um cd, ela viaja mais uma vez e sob as bençãos e produção de David Roback (ex-Mazzy Star em participação especial) renasce não só para a música mas para sua própria vida. O fim do filme lembra os filmes de Truffaut e é digamos assim, um fecho de ouro para este belo filme que além da participação de Roback, ex-guitarrista do Mazzy Star também conta com participações da banda Metric e de Tricky, e foi premiado em Cannes/2004 por melhor atriz para Maggie Cheung e melhor fotografia para Eric Gautier (o mesmo de Diários de Motocicleta de Walter Salles).

Herói

2005-07-18T15:53:00.000-02:00

“Herói” filme de 2002 de Zhang Yimou praticamente passou batido nos cinemas brasileiros assim como quase já havia sido esquecido pelos norte-americanos. O filme como muitos já sabem foi salvo do esquecimento por Quentin Tarantino que viu e gostou tanto de “Herói” que conveneu a Miramax a distribuir o filme nos EUA com a frase “apresentado por Quentin Tarantino...”. Graças ao refinado gosto do autor dos clássicos “Cães de Aluguel”, “Pulp Fiction” e “Kill Bill” o público norte-americano pôde ver o filme em 2004 e nós por consequência natural (quintal dos USA) vimos o filme agora em 2005 nos cinemas (o dvd está sendo lançado este mês) ainda que em poucas salas de cinema.
“Herói” marca a estréia de Zhang Yimou no gênero Wuxia – Wu significa artes marciais e Xia é algo semelhante a “cavaleiro errante”, os dois estilos de histórias Wuxia são o Wudan que se utiliza mais da força interior e meditação e o Shaolin que se utiliza da força exterior, ambos são mesclados com maestria em “Herói” por Yimou, um dos grandes diretores atuais (são de sua atoria filmes como “Lanternas Vermelhas”, “Nenhum a Menos” e “A história de Qi ju” entre outros dramas líricos e intimistas) e um leitor de novelas de artes marciais desde criança que quase desisitiu dos seus projetos de fazer um filme de artes marciais depois do sucesso de “O Tigre e o Dragão”, Yimou temia ser chamado de aproveitador, felizmente ele não desistiu de fazer o filme.

“Herói” é baseado em fatos reais. A China em tempos ancestrais era dividida em 7 reinos, e o filme mostra o soberano da província de Qin sofrendo constantes ameaças de morte e atentados por parte de seus adversários políticos. 3 lendários assassinos de elite são contratos para eliminar o rei de Qin, Espada Quebrada (Tony Leung Chiu Wai), Céu (Donnie Yen) e Neve Voadora (Maggie Cheung) são considerados invencíveis mas um dia mero sargento de uma das capitanias (interpretado por Jet Li), um guerreiro sem nome se apresenta dizendo que matou os 3 assassinos e e mostra provas do que diz. Como recompensa ele ganha o direito de se aproximar do rei e contar como conseguiu realizar tal façanha. A história aí é recontanda várias vezes, referência a Rashomon de Akira Kurosawa, e aí vemos o engenhoso trabalho de Yimou, a cada nova versão da história, as cores do filme mudam e o transformam em um espetáculo visual como não se via há muito tempo no cinema, as cenas de luta são primorosas, e cada segundo é quase um quadro em movimento. A luta entre a soberba Maggie Cheung e linda Zhang Ziyi em um bosque é de encher os olhos, quando a luta começa o tom é verde, após ser a personagem de Ziyi ser atingida e uma gota de sangue cair – em câmera lenta, claro – no chão, o tom passa a ser vermelho, de tirar realmente o fôlego e de emocionar. A luta entre Jet Li e Tony Leung sobre as águas de um rio também é esplendorosa.

A fotografia de Cristopher Doyle e os figurinos de Emi Wada são essenciais ao filme assim como o desempenho soberbo do elenco. Por sua vez o roteiro, sofreu algumas críticas ideológicas, já que o Rei de Qin é um dos símbolos do partido comunista chinês por ter sido de fato o primeiro imperador da China após unificá-la - com uso de força e tirania e da mesma forma ter exercido seu governo; Qin Shihuang foi também o responsável pela construção da Muralha da China. Devido a esta associação e ao fato de que no filme, o personagem de Jet Li tenha a oportunidade de matar o rei e não o faça pois acha que só o rei poderá unificar a China, algumas pessoas viram uma aproximação de Yimou com o governo chinês, logo ele que sempre teve sérios problemas com a censura chinesa. Yimou em uma entrevista na época do lançamento do filme disse que “Herói” é um filme pacifista e que existe na China uma tradição de que o melhor guerreiro lutaria pela China e seu povo, então o fato do herói não matar o rei é porque ele entende que se ele não matar o rei, a guerra acabará e isso será bom para o povo. Yimou diz que sua idéia era conduzir uma mensagem de paz.
Ideologias a parte, “Herói” é um filme de artes marciais que eleva este gênero ao patamar de filme de arte, filme para os olhos e para os corações que mostra ainda ser o cinema capaz de proporcionar o exato equilíbrio entre a arte e a emoção. “Herói” foi indicado ao oscar de melhor estrangeiro em 2003, ficou no topo da bilheteria americana, motivou Yimou a repetir a dose com o também maravilhoso “Clã das adagas voadoras” e já tem seu nome gravado entre os grandes clássicos de todos os tempos.

Herói
(Ying xiong / Hero, Hong Kong, China, 2002)
Gênero: Ação
Duração: 96 min
Tipo: Longa-metragem / Colorido
Distribuidora: Buena Vista
Produtora(s): Beijing New Picture Film Co., Elite Group Enterprises
Diretor(es): Yimou Zhang
Roteirista(s): Feng Li, Bin Wang, Yimou Zhang
Elenco: Jet Li, Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Zhang Ziyi, Daoming Chen, Donnie Yen, Liu Zhong Yuan, Zheng Tia Yong.

"Young for Eternity" - The Subways

2005-07-13T16:45:00.000-02:00

The Subways são os irmãos Billy Lunn (guitarras e voz) e Josh (bateria) e Charlotte Cooper, namorada de Billy no baixo/voz, e vem da Inglaterra como a maioria das grandes bandas de hoje em dia. Antes de lançar seu primeiro disco, “Young for Eternity”, agora no início de Julho, o Subways havia lançado dois singles simplesmente matadores, “Oh yeah” e “Rock n Roll Queen” que os creditaram para abrir shows para nomes como Graham Coxon, The Von Bondies, Charlotte Hatherley, The (International) Noise Conspiracy e The Tears (aliás Tears é um dos melhores desse ano e merece um post), tocar em festivais como Glastonbury, Reading e Leeds e ganhar um selo próprio (City Pavement) da sua gravadora. Subways é produzido por Ian Broudie que já produziu nomes como The Zutons, The Coral, e principalmente Echo & The Bunnymen.
Por que tanto alarde sobre The Subways? Porque eles são realmente rock, com aquela energia, ousadia e fúria jovens (Só tendo atitute mesmo para colocar um nome como “Young for Eternity” em um disco sem soar caricato atualmente). O som do Subways lembra é claro muitas bandas, Nirvana talvez seja a comparação mais frequente que vem sendo feita mas há mais no som proposto pela banda, de Sex Pistols aos sons típicos do brit-pop (Oasis, etc.) passando por alguns momentos acústicos, eles condensam suas referências e fazem um disco de rock muito bom em cerca de 35 minutos.

O disco abre com “I want to hear what you have got to say” que começa no esquema voz/violão para logo mostrar as guitarras vigorosas da banda, os vocais divididos/intercalados entre Billy e Charlotte que se repetirão em quase todo os disco, continua com “Holiday” que remete direto aos Sex Pistols, apresenta verdadeiras pancadas como “Young for eternity”, “Rock´n´ Roll Queen” , “Oh Yeah” e “City Pavement”, punk pop feito por teenagers que aprenderam as lições dos discos do Nirvana, e também momentos mais plácidos “Lines of Light”, “No goodbyes” e “She sun”, e até um momento pop como “Mary” e a maravilhosa “With You” que vai ser o próximo single, culminando com uma música pesada e mais elaborada como “Somewhere” que não fecha o disco porque depois de alguns minutos de silêncio entra “At 1 am” rock básico, rápido, que fecha o disco e nos deixa com vontade de escutar mais. Se as letras do Subways falam de relacionamentos e coisas típicas de jovens entrando na casa dos 20 anos e não são profundas, devemos agradecer porque ao invés de se preocupar em salvar o mundo através da música o trio preferiu se concentrar em fazer música, e fez bem, muito bem. Discão para ouvir várias vezes assim como os singles, demos e faixas ao vivo espalhadas pelos p2p da vida. Neste link você ouve a excelente versão do Subways para a já clássica “Staring at the sun” do maravilhoso TV on the radio: http://www.eternallystupid.com/listen.htm.

Minha Querida Sputnik de Haruki Murakami

2005-07-13T10:34:00.000-02:00

Haruki Murakami nasceu em Kyoto, em 1949, é formado em dramaturgia, começou sua carreira de escritor nos anos 70 e desde então vem sendo considerado o principal autor japonês contemporâneo, seu primeiro livro “Hear the wind sings” (1979) foi lançado quando o autor ainda era dono de um bar de Jazz em Tóquio (Murakami teve o bar de 1974 até 1981), este foi seguido por “Pinball 1973” de 1980. Em 1985 seu livro “Hard-boiled Wonderland and the End of the World” ganhou o prêmio Tanizaki e sua popularidade atingiu o ponto máximo com o lançamento em 1987 do livro “Norwegian Wood” (recém lançado no Brasil pela editora Objetiva) que vendeu mais de 20 milhões de cópias em um ano. Murakami é pop e sua literatura impregnada de referências a ícones do pop mundial não nega isso. Ele disse certa vez em uma entrevista que os 3 elementos mais importantes em seu texto eram “o pop, o sexo, e o humor discreto” e que suas maiores influências são Raymond Chandler, Kurt Vonnegut e Richard Brautigan. As atividades de Murakami como tradutor também evidenciam seus gostos literários, F. Scott Fitzgerald, John Irving, Tim O´Brien, Truman Capote e Paul Theroux foram traduzidos para o japonês por ele.
Terminei de ler recentemente, o romance “Minha querida Sputnik” (Ed. Objetiva) seu sétimo livro e um dos 4 lançados no Brasil, além do já citado Norwegian Wood, foram lançados ainda, “Caçando Carneiros e Dance, Dance, Dance. Outro marco na carreira de Murakami é o livro “The wind-up Bird Chronicle” (de 1997) traduzido em 16 idiomas (infelizmente ainda não lançado no Brasil) e pelo qual o autor ganhou o Yomiuri Literary Award, prêmio que já foi concedido a autores como Mishima, Kenzaburo Oe e Kobo Abe.
O livro conta a história do amor de Sumire, uma jovem escritora fã de Jack Kerouac que se apaixona por Miu, uma empresária 17 anos mais velha, a história de Sumire é narrada por K, professor e ex-colega de faculdade que além de ser seu melhor amigo e é apaixonado por Sumire.
Um dia Sumire começa a trabalhar como uma espécie de secretária de Miu, e abandona a literatura. As coisas seguem assim até que as duas embarcam em uma viagem por alguns países da Europa, e passam alguns dias em uma pequena ilha grega, e na ilha grega, Sumire desaparece, evapora sem deixar rastros, a não ser dois textos em seu laptop que não explicam nada. Miu desesperada liga para K que está no Japão pedindo que ele vá até a Grécia afim de ajudá-la a encontrar Sumire, e assim acontece K vai a Grécia e tenta encontrar alguma pista que leve até Sumire.

O livro que era uma história de amor cheia de referências a cultura ocidental ganha leves tons de mistério, e o texto fluente, poético, cheio estilo de Murakami nos leva a querer sempre avançar na leitura, prende nossa atenção do início ao fim, com diálogos inteligentes. Murakami fala sobre o desejo e amor que levam a solidão e ao vazio, com sua descrição de um Japão moderno mas vazio Murakami as vezes parece sugerir que o amor acaba nos deixando como satélites a deriva no espaço, solitários, perdidos.
Sputnik traduzido do russo significa “companheiro de viagem” assim Miu via Sumire que a tinha como seu objeto de desejo sexual. Miu tem uma tragédia em seu passado que a impede de sentir desejos por qualquer pessoa. K ama sua amiga Sumire que costumava ligar para sua casa as 3 da manhã para discutir sobre a vida e a diferença entre signos e símbolos, o fim disso tudo não poderia ser diferente, incomunicabilidade, dispersão, Sumire ao sumir, vai para o “outro lado”, tentar encontrar a Miu de antes de sua tragédia pessoal (quando jovem Miu ficou presa em uma roda gigante em um parque na Suiça, e do alto da roda gigante podia ver em seu apartamento um homem que ela evitava a todo custo, nu, fazendo amor com ela, uma outra Miu, e qual seria a verdadeira, pela manhã, Miu ao ser descoberta pelos funcionários do parque, percebeu que seu cabelo havia enbranquecido completamente), Miu tenta encontrar a Sumire real e K vaga pelas montanhas da pequena ilha grega ouvindo uma música que parece vir de outra dimensão. Neste ponto, Murakami homenageia o cineasta italiano Michelangelo Antonioni e seu “A Aventura” de forma clara e bela, ninguém consegue se comunicar porque todos vivem em mundos distintos, companheiros de viagem separados por seus dramas particulares.
Ao voltar para o Japão K recebe o telefonema de sua namorada, uma mulher casada, mãe de um garoto estranho que é aluno de K e numa tarde de domingo é apanhado roubando em uma loja. A mãe chama K e esta passagem é talvez a mais siginificativa do livro porque aparentemente sem relação com a parte inicial, ela junta toda a trama; o garoto não diz porque rouba, não responde as perguntas, ela apenas parece estar em outro mundo. K senta-se com o menino sozinho e faz um monólogo contando sua história, a história de Sumire e só após este episódio, K rompe com sua namorada porque parece então compreender a verdadeira dimensão da solidão humana.
O livro poderia se aprofundar mais na questão sobre o desaparecimento de Sumire mas isso não tira de forma alguma seus méritos, é uma leitura extremamente envolvente, cativante e escrito com um estilo poético mas não indecifrável, uma bela introdução ao universo de Haruki Murakami.

Nobuyoshi Araki

2005-07-11T00:24:00.000-02:00

O trabalho de Nobuyoshi Araki é basicamente sobre Tokyo e mulheres, mulheres de Tokyo, como se fosse uma espécie de diário das coisas que mais o interessam. Araki tanto publica fotos de prostitutas e bar girls em seus ambientes de trabalho como fotos de sua própria lua de mel, como fotos de crianças, fotos estas que não o livram de problemas com a censura japonesa. Enfim, o trabalho de Araki vem há mais de30 anos confrontando os valores tradicionais da sociedade japonesa.

Um de seus trabalhos mais conhecidos, “Tokyo Lucky Hole” foi produzido entre 1983 e 1985 em Tokyo, na zona de prostituição chamada Sinjuku (fechada pela justiça em 1985) e mostra em de 850 o cotidiano daquele lugar, dos clientes as prostitutas cansadas após um dia de trabalho. Garotas em peep-shows, escravos e suas dominatrixes, tudo visto de forma crua que apenas retrata a realidade sem emitir nenhum tipo de julgamento.

Araki é considerado um ídolo no Japão , devido a seu trabalho que olha fundo a sociedade contemporânea japonesa e sua vida urbana. Nascido em 1940 durante a segunda guerra mundial, quinto filho entre 7 irmãos, Araki ou “Arachy” como gosta de ser chamado pode ser visto freqüentemente pelas ruas de Tokyo, com a câmera na mão, por isso talvez, sua arte controversa foi descrita pelo curador do Museu de Arte Contemporânea de Tokyo como “um espelho que reflete a realidade na qual vivemos”. E nem só de flores, barotas em bondage, nus, fotos hardcore é feito o trabalho de Araki, em 1990 logo após a morte de sua esposa, Yoko com quem havia se casado em 1971, Araki dedicou-se a fotografar nuvens, “Depois da morte de Yoko eu não queria fotografar outra coisa a não ser a vida – honestamente. Ainda assim, toda vez que eu pressionava o botão eu me aproximava da morte” disse Araki em 1999 na época da exibição “Tokyo Nostalgy” que reunia fotos dos anos 90 incluindo fotos de Yoko.

A obra de Araki é obviamente admirada por outros talentosos artistas, inclusive Araki já produziu junto com Nan Goldin em 1994 o livro “Tokyo Love”.

Nobuyoshi Araki continua em atividade e no auge da forma, com sua mistura entre o obsceno e o sublime que nas palavras do próprio Araki procura se colocar entre o comum e o incomum, o êxtase e morte, na tentativa bem sucedida de mostrar a melancolia da fugacidade da vida, podemos ver a grande obra deste artista.

Links:
Galeria de fotos: http://www.studium.iar.unicamp.br/10/1.html?studium10=galeria.html
Site Oficial: http://www.arakinobuyoshi.com/
Documentário sobre Araki: http://www.arakimentari.com/

Whisky

2005-07-06T15:31:00.000-02:00

Parece que nada acontece em “Whisky”, filme de 2004 dos diretores uruguaios Juan Pablo Rebella e Pablo Stoll que conta a história de Jacobo (Andrés Pazos), um senhor que aos 60 de idade é o taciturno dono de uma pequena fábrica de meias que receber a notícia da visita de Herman (Jorge Bolani) seu irmão próspero e comunicativo que vive o Brasil, decide pedir a supervisora de sua fábrica, Marta(Mirella Pascual) que se passe por sua esposa; Com esta trama aparentemente simples parece que nada acontece no filme mas muita coisa é dita através dos olhares tristes de Jacobo, dos silêncios de Marta, e da câmera que praticamente não se move e registra tudo, inclusive o carismático Herman que tenta a todo custo se aproximar de Jacobo inclusive levando o “casal” para um passeio a um lugar de turismo onde a família costumava ir quando eram crianças. Em Jacobo as tentativas do irmão despertam além do seu orgulho as velhas rivalidades que sempre existem entre irmãos, já em Marta, despertam alguma esperança de que alguma coisa mude. Durante o filme, engrenagens de uma máquina surgem como que para pontuar a vida mecânica e triste vivida por estes tipos num Uruguai retratado de forma triste, quase sempre vazio, silencioso, esquecido no tempo e vivendo do passado como Jacobo. Nem todo o filme é triste, existem algumas cenas que são engraçadas mas que sempre geram aquele tipo de sorriso amargo, que nos faz refletir depois se foi realmente certo rir do que aconteceu. O grande momento de felicidade em “Whisky” é quando os personagens dão um sorriso para as fotos, pois “whisky” é a palavra usada por quem vai tirar a foto para pedir um sorriso a quem vai ser fotografado (semelhante ao nosso “diga xis”) e a felicidade em “Whisky” não dura mais que os segundos de uma foto ou no caso de Marta, o tempo da estadia de Herman que volta ao Brasil deixando para trás a farsa de Jacobo e as engrenagens que teimam em girar, mecânicas.
“Whisky” não chega a ser um clássico mas é acima da média, curto e incisivo, quase um documentário sobre a solidão e esperanças que não se realizam e por isso torna-se necessário vê-lo.

Hard-Fi - "Stars of CCTV"

2005-07-03T01:55:00.000-02:00

Quando eu li pela primeira vez sobre o Hard-Fi, o texto falava algo sobre guitarras Funky e Clash, pensei logo, outro Radio 4 na área mas para começar, hard-Fi não vem de New York, mas da Inglaterra, dos subúrbios de Londres, mais caras que gostavam de Stones, Clash, ganhavam mal em seus empregos e decidiram montar uma banda. Para montar a banda, Ross Phillips (guitarra), Richard Archer (voz), Steve Kemp (bateria) e Kai Stephens (baixo) acrescentaram à receita de seu som Jam, Specials, Dexy´s Midnight Runners, um vocal parecido com o Blur a cargo de Richard Archer e o espírito do bom e velho punk, “Nós somos uma banda de rock mas também ouvimos hip-hop, house, dub reggae, e não temos medo de colocar isso tudo em nossa música” diz Archer, “A guitarra sempre foi o instrumento do punk porque qualquer um podia comprar uma guitarra, aprender 3 acordes e escrever uma música, hoje em dia, se você tem um computador, você pode fazer um disco, a arte do cd, o marketing e a distribuição, mesmo tendo recursos limitados, se você for criativo fará algo grande”. Mais Do it Yourself impossível, o hard-Fi comprou um computador usado alugou um estúdio por 300 libras e gravou “Stars of CCTV”.
O cd começa com a vibrante “Cash Machine”, que também foi o primeiro single da banda. “Hard to beat”, não é menos empolgante, guitarras funky e Clash, ouvindo se entende, som de caras que realmente querem fazer algo grande. Entre as duas com refrões pegajosos e pés batendo temos “Middle Eastern Holiday” que tem guitarras mais pesadas. Ouvimos mais guitarras em “Feltham is singing out”. Já em “Move on Now”, o Hard-Fi mostra que também sabe desligar as guitarras e fazer uma bela balada levada ao piano. O disco traz ainda outras excelentes músicas como “Gotta Reason” e “Tied Up Too Tight” (o segundo single da banda antes de lançar Stars of CCTV) com letras quase sempre sobre as agruras de um cotidiano ordinário. Esses caras vão ser grandes e você precisa ouvir antes que os discos do Subways, Editors, Rakes, Long Blondes, Be your own pet e alguns outros sejam lançados!

"Ubiqüidade"

2005-07-03T01:46:00.000-02:00

Perder traz indivisibilidade
para quem fica
vendo
a estrada
tragando um minúsculo ponto
que se move ao longe
indo embora,

perder alguém para uma estrada
traz conforto
mesmo que o outro parta espalhando
saudades
por todos os cantos da casa.

Clube da Luta

2005-07-02T23:08:00.000-02:00

As Regras do Clube da Luta

1) Você não fala sobre Clube da Luta
2) Você não fala sobre Clube da Luta
3) Quando alguém disser "pare" ou perder os sentidos a luta acaba
4) Só dois caras em cada luta,
5) Uma luta de cada vez
6) Sem camisa, sem sapatos
7) As lutas duram o tempo, que for necessário
8) Se essa é a sua primeira noite no Clube da Luta, você tem, que lutar

Eu nunca tinha levado muita fé em “Clube da Luta”. Sabe quando o nome de um filme sugere coisas ruins a você? Pois é, “Clube da Luta” me sugeria um filme banal, violento apenas por ser violento. Engano meu durante anos, pois o filme foi lançado em 1999 e só agora eu o vi em dvd e fiquei impressionado com o que vi. Clube da Luta foi dirigido por Dvid Fincher, conhecido por Seven e teve seu roteiro escrito por Jim Uhls, baseado em livro do americano Chuck Palahniuk.
O Filme conta a história de Jack (Edward Norton) , um executivo yuppie que trabalha como investigador de seguros de uma grande montadora de automóveis. Jack deveria ser um cara normal, mas não é porque na verdade ninguém é o que se convencionou chamar de “normal”, portanto Jack ao viver uma crise de insônia aparentemente eterna, descobre que consegue dormir após fazer uma espécie de catarse assistindo reuniões de terapia grupal, ao lado de gente com câncer, tuberculose e outras doenças, e aí logo no início vemos que “Clube da Luta” também mostra aquela violência que nos faz rir, rir de nós mesmos, Jack só se sente bem após as reuniões e consegue dormir, e torna-se tão dependente disso que o surgimento de Marla Singer (Helena Bonham Carter), uma viciada em heroína com idéia fixa de suicídio, que começa freqüentar as mesmas reuniões que Jack, tira-lhe, literalmente o sono, ele não consegue mais dormir por saber que entre os doentes existe outra pessoa “normal”. A cena dos dois discutindo sobre quem ficaria com determinado grupo é hilária, mas deixa um riso meio amargo no canto da boca.
Um dia aparece na vida de Jack, Tyler Durden (Brad Pitt), outro cara que deveria ser tão normal quanto Jack ou Marla, mas não é. Eles se conhecem em um vôo e mal se falam, mas quando o apartamento de Jack explode misteriosamente ele vai morar com Tyler que lhe oferece uma perigosa alternativa: por à prova seu instinto animalesco em combates corporais. Assim nasce o clube do título, que ganha diversos adeptos que aliviam suas tensões arrebentando cada um a cara do outro. O problema é que Tyler é um cara com idéias perigosas, um profeta do caos moderno e ele tem justamente um projeto chamado Caos para promover atos terroristas anticapitalistas e aí a coisa ameaça escapar da normalidade, é o Clube da Luta indo para as ruas.

Leia um dos discursos de Tyler e entenda um pouco de suas idéias:
“"(..)Nada é estático. Tudo é movimento. E tudo esta desmoronando. Esta é sua vida. Melhor do que isso não pode ficar. Esta é sua vida. E ela acaba um minuto por vez. Você não é um ser bonito e admirável. Você é igual à decadência refletida em tudo. Todos fazendo parte da mesma podridão. Somos o único lixo que canta e dança no mundo. Você não é sua conta bancária. Nem as roupas que usa. Você não é o conteúdo de sua carteira. Você não é seu câncer de intestino. Você não é o carro que dirige. Você não é suas malditas calças. Você precisa desistir. Você precisa saber que vai morrer um dia. Antes disso você é um inútil. (..)A propaganda nos faz correr atrás de coisas, trabalhos que odiamos, para acabar comprando o que não precisamos".

O filme é denso e trabalha com muitas questões que já foram levantadas em diversos artigos espalhados por aí, inclusive um texto do Fernando Gabeira criticando o uso do “budismo pelo ocidente” (sei lá mas acho que ele não entendeu nada e deveria ter levado um soco do Tyler ;-) ). A violência de Clube da Luta é a mais perfeita metáfora do vazio da nossa sociedade e vai além dos socos chegando na alma mesmo porque nos mostra que todos nós gostaríamos de estar no meio do clube da luta, nem que fosse por alguns momentos apenas e isso nos faz cúmplices de Tyler, de Jack, enfim, nos torna iguais.
O fim do filme é surpreendente e deixa propositalmente todas as perguntas em aberto ao som de “Where´s my Mind?” clássico do primeiro disco dos Pixies (“Surfer Rosa”, 1988) e torna o conjunto todo, muito bom, um clássico recente do cinema com direção perfeita de Fincher e desempenho excepcional dos 3 atores principais, Pitt, Norton e Bonham Carter). No Brasil a polêmica em torno do filme ganhou força quando do episódio em que um estudante de medicina atirou contra a platéia de um cinema em São Paulo, um cara que deveria parecer “normal” e que não entendeu que “Clube da Luta” usa da violência para fazer uma crítica feroz, ácida e sarcástica ao vazio de toda uma geração escravizada pelo consumo sem limites e a violência que vem deste mesmo vazio. Fincher faz isso de uma forma que nos deixa, um tanto quanto atordoados, como alguém que leva um murro inesperado no rosto. Grande Filme.

Abaixo uma lista de detalhes sobre o filme (retiradas do site http://www.cinemaemcena.com.br)

•Para rodar Clube da Luta, o diretor David Fincher usou mais de 1500 rolos de filme – cerca de três vezes mais que o habitual.
•Três detetives que aparecem no filme se chamam Andrew, Kevin e Walker. Juntando os três formamos o nome do roteirista Andrew Kevin Walker, autor de Se7en – Os Sete Crimes Capitais, filme dirigido por David Fincher. Ele também ajudou no roteiro de Clube da Luta, mas não teve seu nome creditado (provavelmente, essa foi a forma que David Fincher encontrou de agradecê-lo).
•O supervisor de efeitos especiais Kevin Scott Mack faz uma ponta no filme: ele é um dos passageiros do avião em que Edward Norton deseja se acidentar.
•Tyler Durden (Brad Pitt) aparece em quatro seqüências distintas, durante um único fotograma. Se você pausar o filme no momento certo, poderá ver o personagem compondo o cenário. As cenas em que acontecem suas aparições são:
• no corredor do consultório médico que Edward Norton visita;
•em uma das reuniões do grupo de apoio a pacientes com câncer de testículos;
• na rua, quando Edward Norton vê Helena Bonham Carter saindo do prédio;
•Brad Pitt tem um dos dentes dianteiros quebrado. Para algumas das cenas de luta, o ator tirou a capa que reveste seu dente, para que o “estrago” feito em seu rosto ficasse mais realista ainda.
•O carro marrom em que Edward Norton se escora ao receber primeiro soco de Brad Pitt, é o mesmo veículo usado por David Fincher em seu trabalho anterior, Vidas em Jogo (1997). Neste filme, Michael Douglas se esconde no referido automóvel enquanto James Rebhorn o leva para a central da empresa CRS. Se você reparar na cena de Clube da Luta, verá um adesivo da corporação colado no vidro do carro.
•Em um dos quartos de hotel que Edward Norton se hospeda durante suas viagens de negócio, um canal interno de TV mostra a equipe do hotel dizendo, “Bem-vindo!” Repare no sujeito à direita da tela, vestindo um terno branco. Isso mesmo: lá está Tyler Durden mais uma vez!
•Depois que Edward Norton desliga a energia elétrica da casa de Tyler, ele vai até o andar de cima para espionar Marla Singer. Brad Pitt chega até a porta e está usando uma luva de borracha. O detalhe é que a luva está na mesma mão que Norton usou para desligar a força elétrica (um detalhe que se mostra relevante nos momentos finais do filme).
•O personagem Bob (Meat Loaf) não obedece a uma das regras do Clube da Luta: a terceira norma diz que não é permitido lutar de camisa ou sapatos. Bob usa as duas coisas.
•O autor do livro que inspirou o filme, Chuck Palahniuk, achou que o final da versão para o cinema (modificado do original) ficou melhor que o escrito por ele.
•Enquanto Edward Norton está tentando convencer Helena Bonham Carter a deixar a cidade em um ônibus, podemos ver alguns cinemas ao fundo que anunciam os seguintes filmes: Se7en – Os Sete Crimes Capitais (com Brad Pitt); O Povo Contra Larry Flynt (com Norton); e Asas do Amor (com Bonham Carter).

Giant Drag - Doçura e Fúria

2005-06-07T23:48:00.000-02:00

Pense em Mazzy Star, Nirvana, Curve, Concrete Blonde, Hole e My Bloody Valentine, um pouco de melodia dos 60´s uma mulher tocando guitarra e cantando letras com títulos como “YFLMD” (You F* like my dad), tudo isso misturado em um EP de 6 músicas lançado em Janeiro deste ano com o nome de “Lemona” é o Giant Drag. Uma dupla formada por Annie Hardy nas guitarras e voz, a dona da banda e Micah Calabrese na bateria, mas o que realmente importa no Giant Drag é Annie, sua voz, sua guitarra e postura, rocker até a medula ela é descrita pelo NME da seguinte forma: “The fatherf**king female Kevin Shields”. Annie fez parte da cena punk em Orange County, tocou em várias bandas na California, inclusive teclados nas bandas Shrinkwrap e Radio 4 (que não é o mesmo Radio 4 de N.Y. dos ótimos “Gotham!” e “Stealing of a nation”), sempre sem muitos resultados, inclusive em sua primeira tentativa solo. Há 6 anos atrás Annie mudou-se para Los Angeles e juntou-se ao amigo Micah, juntos eles começaram a fazer alguns covers, “God Only knows” dos Beach Boys inclusive (“Aquilo quase me matou... você tem que estar bêbado para pensar que pode fazer um cover de alguma música do Pet Sounds” disse Micah certa vez). Cerca de 9 meses depois o Giant Drag surgia oficialmente com Micah na bateria e teclados e Annie na voz/guitarras, e já na primeira semana de banda acontecia a estréia ao vivo em clube em Glendale. O Show foi perfeito segundo os felizardos que o viram e foi seguido por vários outros. O duo inclusive tocou com nomes como Fiery Furnaces e Scissor Sisters naquele início.

Em Janeiro de 2004, o Giant Drag gravou seu Ep de estréia, “Lemona” que foi primeiramente lançado pelo pequeno selo Leftwing de Los Angeles. O ep com 5 músicas foi lançado em Julho do mesmo ano e rapidamente esgotou a tiragem inicial, sendo necessárias algumas reimpressões. Por volta de Outubro, Annie e Micah assinaram com o selo inglês Wichita Recordings e teve seu EP relançado para um público maior, ou seja, agora ele também é vendido na Amazon ;-) e teve um lançamento “oficial” nos EUA em 05 de Janeiro deste ano.

Micah saiu da banda ainda no fim de 2004 e foi substituído por Eli Smith também na bateria e teclados mas a voz e guitarras distorcidas de Annie são as mesmas e a banda vem tocando ao vivo pelos EUA e Reino Unido (com Brendan Benson, Ladytron, Har Mar Superstar, Black Rebel Motorcycle Club, Unicorns entre outros).
O EP começa com “This isn´t it”, guitarras cheias de fuzz, distorcidas e ecos de My bloody Valentine enquanto a voz de Annie rasgante e sexy canta o refrão “Love, love, love, this isn't it...you wouldn't know it if it hit you" , um pop perfeito de 3 minutos, alto, pesado e contido, dreamy pop com pegada.
“Tired Yet” segue a mesma linha, começando apenas com uma guitarra – lembrando um pouco PJ Harvey - para logo depois entrar a voz de Annie e então a bateria e a guitarra que você jura ser do Kevin Shields.
“Cordial Invitation” traz mais recordações de MBV, com os vocais de Annie pendendo mais para o brit-pop só que ao mesmo tempo suave e presente, é talvez a melhor do EP. Já em “YFLMD” ou “You f** like my dad”, temos a base das letras de Annie, o amor é difícil, especialmente se você o tenta com seu pai, uma canção com uma levada blues soterrada por guitarras no refrão que repete o título insistentemente é para perturbar mesmo e depois nos fazer ver o lado bom da coisa, o Giant Drag ousa e acerta o alvo. O final é com “Jonah Ray is Aokay (But that´s all hearsay)” outra grande música cheia, perfeita para o fim do disco. A versão do EP lançada pela Wichita este ano traz ainda o vídeo para “This isn´t it” como bônus.

Até agora “Lemona” foi o melhor lançamento de 2005 (contando o lançamento “oficial” e que em 2004 ninguém tirou o posto de melhor do ano de “Hot Fuss” do Killers e deixa a promessa no ar para um grande disco full que estava prometido por Annie no site oficial da banda (http://www.giantdrag.com) para 26 de Julho mas já foi adiado para Agosto. O disco deverá se chamar “Hearts and Unicorns” e traz Micah de volta ao duo, pois então que venha o disco que se seguir a linha de “Lemona” será forte candidato a melhor desse ano concorrendo com “Nashville” de Josh Rouse (mas isso já é papo para outro post).

DOR

2005-06-07T19:11:00.000-02:00

O moinho secular açoita as águas calmas do rio;
A palha de aço arranha as costas nuas dos talheres finos;
Os cães esticam ao máximo as correntes que os prendem
e se sufocam e morrem aos pés dos seus donos tristes;
a dor não existe para as inobservâncias da vida.

Magneta Lane

2005-06-06T15:04:00.000-02:00

O Magneta Lane vem do Canadá e há um tempo atrás isso seria um ponto negativo mas
depois de Dears, Hot Hot Heat e principalmente Arcade Fire esta história de rock do Canadá ser sem graça morreu, além disso Magneta Lane é uma banda de garotas tocando rock com influências de punk/guitar e isso conta muitos pontos a favor da banda.

O Magneta Lane que foi formado em Toronto em 2003 por Lexi Valentine (guitarras/voz), Nadia King (bateria) e French (baixo) , todas abaixo dos 20 anos de idade, e definindo-se como "a potent antidote to the faux punk posturing of today's manufactured young rock bands" - tem apenas um EP lançado, "The Constant Lover" (2005) mas que EP! 6 músicas e nenhum erro cometido, influências diversas desde Pretenders, MagnaPop, Sonic Youth até Nancy Sinatra e Debbie Harry/Blondie.

O disco já começa bem com “Constant Lover” , pop na medida certa e com guitarras tensas no refrão (Heard about this girl before/what happened to her I’m not sure/she could never find real love/she was a constant lover) que apenas ameaça explodir, início perfeito que é seguido de “Kissing is Easy”, “Medusa” com suas guitarras distorcidas, refrões pegajosos (She´s a go-go girl in this go-go world canta a vocalista em “Medusa”) e aquela pegada punk envolvendo o som da banda, até chegarmos em “Their Party Days” onde o Magneta Lane encarna o Blondie e Belinda Carlisle mistura tudo com influências de Kinks e manda uma pop song maravilhosa de tão simples. Já em “Mare of the Night” o som fica mais alto, as guitarras mais sujas e pesadas, e o final do curto EP com “Ugly Socialite” mostra a banda bebendo novamente da fonte do punk/new wave dos anos 70/80 sem deixar de soar pop ou de ter em meio a suas referências uma sonoridade própria, crua (o cd as vezes parece ter sido gravado ao vivo em estúdio) e elaborada com boas letras e um vocal potente, e assim, o Magneta Lane mostra que vai longe e deixa boas expectativas para seu álbum de estréia.

(da esquerda para a direita: Nadia King, Lexi Valentine e French)

Old Boy - Vingança & Tragédia

2005-06-01T15:40:00.000-02:00

Old Boy é o segundo filme de uma trilogia do diretor Chan-wook Park sobre a vingança, o primeiro foi "Sympathy for Mr. Vengeance" de 2002 e Old Boy com sua mistura de violência extrema, suspense e até humor negro é um filme que deveria ser visto por todos sem exceção, pois agrada aqueles que gostam de tramas mais elaboradas, bons roteiro, direção e fotografia e também aos fãs da pancadaria pura. Filmão para ser visto e revisto.
Baseado em um mangá japonês, Old Boy conta a história de Oh Dae-su, um sujeito beberrão e que vive se metendo em confusões, enfim um cara absolutamentte comum que no dia do aniversário de sua filha é sequestrado e levado para um cativeiro que parece mais um quarto de hotel daqueles bem baratos e nesta estranha prisão, Oh Dae-su vê pela TV o assassinato de sua mulher além de ver seu nome associado a uma série de crimes. Sem saber porque está preso nem quem o prendeu Oh-Dae-su vai passar 15 anos nesta prisão até um dia ser libertado também aparentemente do nada, cheio de desejo de vingança.

O filme é repleto de cenas antológicas como a que Oh-Dae-su logo após ser libertado na cobertura de um prédio, impede o suicidio de um cara segurando um poodle, conta a história de sua vida a ele e depois vai embora sem ouvir a história da vida do suicida, ao entrar no elevador oh-dae-su toma o óculos-escuro de uma mulher e já na rua, a câmera mostra o rosto de Oh-dae-su sorrindo, sarcástico enquanto se lembra de uma frase que estava escrita em um quadro pendurado em seu quarto (Chore e ninguém chorará com você/ Sorria e o mundo sorrirá com você) e ao fundo a mulher reclamando com o porteiro do prédio sobre seu óculos enquanto um corpo cai em cima de seu carro que estava estacionado em frente ao mesmo prédio. Genial. Há cenas de violência estilizada no melhor estilo Kill Bill (embora mais pobres em efeitos e por isso melhores por serem mais realistas) como a em que Oh-Dae-su enfrenta uns 20 caras em um corredor com um martelo. Há também cenas grotescas como a de um polvo vivo sendo devorado pelo ator Choi Min-Sik que interpreta Oh-dae-su e que foi criticada por vários países e instituições de proteção a animais.
Até a metade, Old Boy é um filme de ação e suspensa, da metade para o fim, o filme ganha contornos de drama ou tragédia mesmo, um shakespeare asiático, saem a pancadaria, mutilação de membros e coisas do tipo e entram um suspense que nos leva a prestar cada vez mais atenção no filme e um contorno de tragédia que vai até o final desesperado e surpreendente.
Old Boy que foi o vencedor do prêmio especial do júri em Cannes 2004, foi filmado em Seul e Bousan na Coréia do Sul e também na Nova Zelândia tem ótima direção e roteiro de Park Chanwook, um ex-estudante de filosofia, e um desempenho memorável de todo o elenco, inclusive o ator Choi Min-sik teve que emagrecer cerca de 12 kilos para interpretar o protagonista de Old Boy.
Durante todo o filme, Oh-dae-su percorrerá uma trilha de sangue e violência em busca de vingança contra aqueles que o aprisionaram e ao final surpreendente, que só faz sentido assistindo, veremos que a maior violência em Old Boy não é a física mas sim aquela que nos mata diariamente por dentro atigindo nossa moral, nossa fé, nossos conceitos do que é certo ou errado, definitivamente Old Boy não é um filme para as grandes massas mas para aqueles que apreciam o bom cinema e não se importam em descobrir o novo, o diferente e saberão aceitar a reflexão dolorida provocada por um dos filmes mais marcantes dos últimos tempos.

Meio Caminho Agora

2005-06-01T14:54:00.000-02:00

A chuva cai sobre as copas das árvores,
os troncos e folhas e galhos encobrem a luz dos postes
ainda é madrugada,
este é o caminho
que meus passos tomam enquanto tento desviá-los das poças d'água
meus passos pesados produzem um som desanimado
a partir de hoje tentarei torná-los decididos, irados, rápidos
livres de pesar ou culpa ou solidão
apenas andar sem pensar e nada esperar do fim da caminhada

ainda é madrugada
e parece que vai chover o dia inteiro sobre os braços das árvores
meu corpo não tem sombra
pois os galhos e folhas e troncos escondem a luz pálida dos postes
ao longe um galo canta
olho para baixo
e reparo no quanto meus sapatos já estão molhados,

a chuva cai
e eu preciso levar meus passos onde eu possa chegar a algum lugar.

A Beleza segundo Laura Aguilar

2005-05-22T03:26:00.000-02:00

Laura Aguilar é corpulenta, lésbica e descendente de mexicanos, assim nos é apresentada a fotógrafa autodidata Laura Aguilar em um site italiano; Nascida em 1959 em San Gabriel, California. Aguilar, que vive em Los Angeles, California, é realmente lésbica, e pelos padrões de moda ditados pela mídia poderia ser considerada até mesmo grotesca, fato que não a impede de ser ela mesma, a modelo de suas fotos, como se desafiasse os padrões estabelecidos e colocasse em questãos os valores que seguimos atualmente.

Laura diz que sua fotografia lhe dá a oportunidade de se abrir e ver o mundo a seu redor, e principalmente, de olhar para dentro de si mesma.

Na série de auto-retratos “Stilness” , criada em dois meses que passou em San Antonio em 1999, Laura mostra o contraste criado na paisagem erma com seu corpo obeso nu, formando assim uma nova paisagem, densa, emocional e que segundo a artista procura mostra as “possibilidades espirtuais que existem na natureza”, isso com a beleza particular das fotos em preto e branco.

O quanto a beleza física é importante? E o que é ser uma mulher latino-americana e lésbica são questionamentos que o trabalho de Aguilar provocam naqueles que o observam. Este é seu objetivo: “Eu espero que o meu trabalho possa criar a oportunidade de nos explorarmos e explorarmos outras pessoas e de expressar nossa própria beleza, força e dignidade”.

O trabalho de Laura Aguilar é estranho, inquietante, provocador, repugante, patético, belo, cheio de fúria e graça, tudo depende de quem o vê e da forma como se vê, de qualquer forma, é um trabalho marcante e por isso memorável e que impõe a pergunta, o que é realmente a beleza?

Richard Brautigan

2005-05-18T15:00:00.000-02:00

O escritor norte-americano Richard Brautigan, nascido em 30/01//1935 em Tacoma, Washington não foi propriamente um beat mas ao se mudar para para São Francisco e lá morar entre 1955 e 58 teve seu nome e trabalho associados ao movimento literário que revelou autores como William Burroughs, Allen Ginsberg, Gregory Corso etc. mais devido a amizade que travou com autores da beat generation do que propriamente seu modo de escrever. Em São Franciso Richard Brautigan casou-se com Virginia Adler (em 1957). Brautigan tem um estilo surreal em seus textos em prosa que foram lidos por muita gente nos anos 60´s sob o efeito de drogas, fato que foi bom e ruim para Brautigan pois o seu livro “Trout Fishing in America” (lançado no Brasil pela editora Marco Zero com o título “Pescar Truta na América”) vendeu quase 2 milhões de exemplares ao mesmo tempo que rotulou Brautigan para sempre como um autor dos anos 60´s e 70´s, um autor chapado para se ler chapado, um hippie maluco, portanto quando o efeito do anos 60 passou, Brautigan foi esquecido e relegado ao ostracismo em vida.
Seu primeiro livro data de 1959, Lay the Marble Tea e é uma compilação de poemas (aliás os poemas de Brautigan também são excelentes) e após Pescar truta na América que foi lançado em 1967, Brautigan ainda lançou outro livros de sucesso como “All Watched Over By Machines of Loving Grace” e “In Watermelon Sugar” antes de se mudar para Pine Creek em Montana e ficar quase 8 anos sem dar entrevistas, aparecer em público ou lançar algo novo.
Em 1982 foi lançado So the Wind Won't Blow It All Away que acabaria sendo o último livro de Brautigan já que em 1984, o escritor entregou-se a depressão e se matou com um tiro aos 49 anos apenas e sendo que seu corpo foi encontrado no dia 25 de outubro. A seu lado, a arma (.44) e uma garrafa, Brautigan nessa época vivia em Bolinas, na California.
Datar a obra de Brautigan é um erro pois poucos autores foram tão atemporais como ele, seu livros podem ser lidos hoje como se fosse escritos hoje ainda, pois assim é o trabalho dos gênios, ficar para sempre.

Abaixo um trecho do livro A Confederate General from Big Sur, que foi publicado em 1964 e é o primeiro romance de Brautigan.

Elaine was the girl’s name and the more I watched her the prettier she flowered out, which is a nice thing if one can pull it off. It’s hard. She could. That certain acceleration that comes from within has always pleased me.
"What do you do?" She asked.
I had to think that one over. I could have said, "I live with Lee Mellon and I am cursed like a dog." No, no not that. I could have said, "Do you like apples?" and she would have answered yes, and then I could have said, "Let’s go to bed." No, no, that would be later. Finally I decided on what I was going to say to her. I said quietly, but lined with a gentle certainty, "I live in Big Sur."
"Oh, that’s nice" she said "I live in Pacific Grove. What do you do?"
Not bad I thought. I’ll try something else.
"I’m unemployed" I said.
"I’m unemployed, too" she said. "What do you do?"
This was a strong new part of her to be dealt with, but I was ready to go now. let me go! I looked at her very shyly with a sort of religious awkwardness that was stacked like palm branches about me. "I’m a minister" I said.
She looked at me just as shyly and said just as awkwardly, "I’m a nun. What do you do?"
There was persistence there. We were beginning to hit it off. I liked her. I’ve always been partial to clever women. It is a weakness of mine but it’s too late to correct.
A little while later we were talking along the beach. I had my arm under her sweater and around her waist and my hand going sideways up to her breast and my fingers doing things, reaching out with the intelligence of small plants that were footloose and fancy-free.
Jesse’s got a girl and Lee Mellon introduced her to him. "When did you first decided to go into the nunnery?" I said.
"Oh, when I was about six" she said.
"I decided to be a Minister when I was five" I said.
"I decided to be a nun when I was four"
"That’s nice. I decided to be a minister when I was three"
"That’s nice. I decided to be a nun when I was two"
"I decided to be a minister when I was one"
"I decided to be a nun the day I was born. That very day. It’s good to start your life out on the right foot" she said proudly.
"Well, I wasn’t there when I was born so I couldn’t make the decision. My mother was in Bombay. I was in Salinas. I think you’re being very unfair". I said humbly.
This broke her up. It is pleasant when such silliness can lead to girl’s place" She closed the door and I glanced at her books, a very bad habit of mine. Hello, Collected Poems of Dylan Thomas. I looked over her place like a raccoon, another habit of mine but not as bad, though.
I have a great curiosity about the abodes where the young ladies live, I like the smells of where the young ladies live and the artifacts and the way the light falls upon things, especially the light upon the smells.
She made me a sandwich. I didn’t eat it. I don’t know why she made it. We got into bed. I put my hand between her legs. The blanket underneath her had a rodeo on it. Cowboys and horses and corrals. She forced her body hard against my hand.
Just before we went away with each other like small republics to join the United Nation, I had a cinematographic impression, about a dozen frames of Lee Mellon lying covered with cardboard underneath the saloon.

PostSecret

2005-05-16T00:48:00.000-02:00

Sabe aquelas coisas que você pensa mas não fala pra ninguém por ter vergonha, por serem horríveis, por revelarem que você realmente é, quer ou gostaria de ser? pois é agora existe um site, na verdade um blog daqui mesmo do blogspot, que mostra em forma de cartões postais alguns dos pensamentos mais bizarros das pessoas. A coisa funciona da seguinte forma, anônimos escrevem seus pensamentos, desabafos, segredos sórdidos, cômicos, românticos, depressivos em cartões postais virtuais e enviam para o site que os publica em forma de posts... o resultado, como não poderia deixar de ser, é pertubador e atraente ao mesmo tempo. vai lá, dá uma olhada e se gostar, mande o seu!

http://postsecret.blogspot.com/

Novos Sons de 2005 - 2

2005-05-16T00:13:00.000-02:00

Bloc Party

Dizem que o Bloc Party é o novo Franz Ferdinand e é fato que o vocalista Kele Okereke ainda em 2003 apresentou-se da seguinte forma a Alex Kapranos do FF: “hello, my name is kele and i sing in a band. we're influenced by the cure, the pixies, joy division, sonic youth and talking heads. can i send you a cd?” e além disso Bloc Party abriu vários shows do FF mas na minha opinião a banda de Kele Okereke (Voz e guitarras), Gordon Moakes (baixo), Russel Lissack (Guitarra) e Matt Tong (Bateria) é melhor que FF porque vai mais de encontro as bandas citadas acima por Kele ao invés de limitar-se a reciclar o som do Gang of Four como o FF.
Depois de uma série de singles, o Bloc Party lançou este ano, em janeiro, “Silent Alarm” e mostrou que pode ir além do hype e ter uma carreira consistente. O álbum em si não é inovador como são os álbuns de TV on the Radio, Arcade Fire, Dresden Dolls por exemplo, mas é excelente do início ao fim.
Das faixas mais pop como “Blue Light” e “Modern Love” até as mais rápidas como “Like eating glass”, “Banquet” , “She´s hearing voices”, “Luno” passando por sons mais atmosféricos e trabalhados como “Plans” e “Compliments”, o disco mostra uma banda absorvendo bem suas influências e caminhando para um som próprio além de ótimas letras (“Wake up dreamer/It's happening without you/Cut your hair and shave your beard/You squandered your chances/I'll give you a thousand pounds/To show me how you do it/Stop being so laissez-faireWe're all scared of the future” Plans). Baixe o cd inteiro e as músicas dos singles que não foram incluídas no cd (como a bela Tulips).

Idlewild

“Warning / Promisses” é o quarto trabalho da banda da Escócia, Idlewild e investe ainda mais nas mesmas sonoridade pop do trabalho anterior “The remote part” mas isso de forma alguma é um demérito, até porque o grupo não esquece de vez o rock como em “I want a warning” e “Too long Awake”; O Idlewild é uma das minhas bandas preferidas e seu som vem amadurecendo de forma consistente cd a cd.
Destaques desse “Warning / Promisses”: as já citadas “I want a warning”, “Too long awake”, “Love steals us from loneliness”, “El Captain” entre outras.

The Bravery

O Bravery é mais uma banda de Nova Iorque, mas o som deles não é rock de garagem como a maioria das bandas atuais vindas de lá, apesar disso existem influências de Killers nas melodias, Strokes nos vocais e... Duran Duran em algumas músicas que lembram aquela new wave dos anos 80. Desse liquidificador de sons, o Bravery tira uma mistura agradável que poderia ser mais autêntica pois a banda tem potencial mas que também não desagrada e ainda traz alguns sons muito legais e acima da média como: “Honest Mistake”, “Fearless”, “Public Service Annoucement”, “Uncoditional” e principalmente “Rite Song” a melhor do disco.

Cowboy Kate

2005-05-15T04:40:00.000-02:00

Fotos e textos do livro Cowboy Kate and other stories de 1964 do fotógrafo Sam Haskins

Mais sobre Sam Haskins em http://www.haskins.com visite!!!

Maria Cheia de Graça

2005-05-11T15:20:00.000-02:00

"Maria Full of Grace" EUA/Colômbia, 2004. 101 mins. Direção: Joshua Marston. Estrelando: Catalina Moreno, Yenny Paolo Vega, Patricia Rae, Guilied Lopez, Osvaldo Plasencia, Orlando Tobon. Distribuidora: Fine Line Features.

Maria cheia de graça é uma co-produção EUA/Colômbia, escrita e dirigida pelo americano Joshua Marston e fala sobre as pessoas que trabalham como “mula” para os tráfico de drogas colombiano e com isso, tentam uma vida melhor, seja ganhando seus dólares ou até tentando viver nos EUA. Basicamente o filme é isso e poderia soar como um dramalhão daqueles tipo novela ou um mais um filme americano vazio americano sobre países e pessoas pobres mas ao invés disso “Maria...” é um grande filme, que dirigido quase todo com a câmera na mão se parece com um documentário tal é a veracidade transmitida em suas cenas pela sobriedade da direção, a força e precisão do roteiro que vai sempre direto ao assunto e pelo ótimo desempenho dos atores, sobretudo de Catalina Moreno que interpreta Maria Alvarez.

Morando em uma cidade pequena qualquer da Colômbia, Maria não leva uma vida fácil, trabalha até a exaustão em uma floricultura, sustenta com o parco salário a mãe, a irmã e o sobrinho recém-nascido, não ama o namorado e vê-se por tudo isso sem nenhuma perspectiva de vida, o filme em sua primeira parte, vai mostrando a vida de Maria sem nenhuma concessão ao sentimentalismo, ao espectador é oferericida uma espécie de estudo sobre a vida de uma adolescente que poderia ser qualquer uma, na Colômbia, no Brasil, ou em qualquer outro país onde a pobreza e falta de perspectivas de uma vida melhor imperem.

Um dia Maria briga com seu chefe , depois larga o namorado de quem espera um filho e o filme muda, Maria vai a Bogotá a procura de emprego e pega carona de moto com um cara que lhe faz a proposta para trabalhar como “mula”. A partir daí o filme impressiona mais ainda. As cenas em que Maria treina como engolir os pacotes de cocaína e a da viagem aos EUA assim como a chegada no aeroporto com os policiais interrogando Maria, são de arrepiar e dar um nó na garganta tal realismo que passam. Em certos pontos o filme lembra “Amores Brutos” já que a crueza com que certos temas são levados à tela causa a em quem está assistindo ao filme uma total ausência de piedade, compaixão, você não “torce” pela personagem de Catalina ou por suas amigas, você apenas assiste tudo não de uma forma indiferente, claro, mas impactado pela força do filme como um todo e é bom frisar que em nenhum momento o filme depende algum ponto de vista, levanta alguma bandeira contra as drogas, etc. ele apenas mostra o drama da vida real de forma plana e coerente do início ao fim.

Maria cheia de graça recebeu uma indicação ao Oscar de melhor atriz principal e o Urso de Prata de melhor atriz no festival de Berlin, reconhecimentos ao talento de Catalina em sua estréia no cinema e ao trabalho do também estreante Joshua Marston na direção. O filme ainda está em cartaz em alguns cinemas portanto quem não viu, ainda tem tempo.

Helena Almeida

2005-05-01T01:30:00.000-02:00

Dia 19/04 o CCBB do Rio, inaugurou a exposição "Suporte da memória e instrumento da Fantasia" que traz 3 mostras:
Portraits de stars que reúne fotografias de astros do cinema das décadas de 30 a 60, Retratos Estrangeiros que mostra como a diversidade cultural
do Brasil foi vista e captada pelos primeiros fotógrafos viajantes do século XIX e Olhar Inquieto - Coleção Nacional de Fotografia que procura traçar um painel da história da fotografa, desde os primeiros daguerreótipos até as mais recentes obras que integram a coleção do Centro Português de Fotografia.

E nesta ultima estão as obras que mais me chamaram atenção, 2 fotos de Helena Almeida extraídas de sua mostra "Dentro de mim".

Helena Nasceu em 1934 em Lisboa, cidade onde vive e trabalha. A primeira exposição individual de Helena
aconteceu em Lisboa em 1967 e a citada "Dentro de mim" foi exibida pela primeira vez na cidade do Porto
em 1998/99. Helena que já teve seu trabalho exibido nos EUA e por toda a Europa, é uma das mais importantes artistas portuguesas
da segunda metade do século XX já tendo inclusive recebido prémios na Bienal Internacional de Cagnes-sur-Mer (1976),
na Bienal Europeia de Gravura de Mulhouse (1978) e na XI Bienal de Tóquio (1979).
Além disso Helena teve seu trabalho estudado no Departamento de Arte da Universidade de Virgínia/EUA.

Fotos da Mostra "Seduzir" de 2002

"Tentar abrir um espaço, sair custe o que custar, é um sentimento muito forte nos meus trabalhos.
Passou a ser uma questão de condenação e de, sobrevivência. Sinto-me quase sempre no limiar onde
esses dois espaços se encontram, esperam, hesitam e vibram. É uma tentação aí ficar e assistir ao meu próprio processo,
vivendo um sonho com duas direcções. Mas isso é intolerável e com urgência, qualquer coisa se liberta em mim como se
quisesse sair para a frente de mim própria."
Helena Almeida

Helena Almeida, Tela Habitada, 1976

Foto da Mostra "Dentro de Mim"

Helena Almeida, one of Portugal's leading artists, places herself as her own model in the center of her work. In her performative scenarios she deals with the precarious space of representation by exploring the limits of the image by means of photography, painting, drawing, object art and language. She studies the subtle transitions from object to its depiction, from the illusionary space of photography to painterly surface.
Pare ler mais clique aqui

Helena ao lado de 2 fotos da mostra "Dentro de mim" e abaixo outra foto da mostra

Informações sobre a exposição "Fotografia: suporte da memória e instrumento da fantasia"
Onde: CCBB - R. Primeiro de Março 66, Centro, Rio de Janeiro-RJ
Quando: de 19 de abril a 26 de junho de 2005
Quanto: entrada franca
Visitação: ter. a dom., das 10h às 21 h
Informações: tel. (21)3808-2020

O Clã das Adagas Voadoras

2005-04-24T01:06:00.000-02:00

No ano de 859 a China passa por terríveis conflitos. A dinastia Tang, antes próspera, está decadente. Corrupto, o governo é incapaz de lutar contra os grupos rebeldes que se insurgem. O mais poderoso e prestigiado deles é o Clã dos Punhais Voadores. Leo (Andy Lau) e Jin (Takeshi Kaneshiro), dois soldados do exército oficial, recebem a missão de capturar o misterioso líder das Adagas Voadoras e para tanto elaboram um plano: Jin se disfarça como um combatente solitário, ganha a confiança da bela revolucionária cega Mei (Zhang Ziyi) e, assim, infiltra-se no grupo. Mas a dupla não contava com a paixão que Mei despertaria nos dois.

Esta é a sinopse do filme mais recente de Zhang Yimou - diretor entre outros dos clássicos "amor e Sedução" (1990), "Lanternas Vermelhas"(1991)e "A história de Qiu Ju"(1992) e é o segundo filme do diretor baseado nos velhos filmes chineses de artes marciais, o primeiro é "Hero" (2002). Os dois filmes apesar de belíssimos não tinham distribuição no EUA e foi necessário que Quentin Tarantino, um fã do gênero, entrasse com seu nome e prestígio na jogada para que os 2 filmes pudessem ser lançados comercialmente nos EUA (com a frase "Quentin Tarantino apresenta..." nos cartazes de divulgação). Confirmando o apelo comercial dos filmes, tanto Hero quanto House of the flying daggers fizeram bonito nas bilheterias americanas, provando que é possível misturar entretenimento, belas atuações, fotografia estonteante, direção segura, roteiro inteligente, drama, lutas coreografadas, efeitos especiais em filmes singulares que extrapolam o rótulo de "artes marciais".

Muito melhor que "O Tigre e o dragão" devido ao roteiro mais coerente e aos efeitos convincentes, "Clã das adagas..." é acima de tudo uma história de amor entre o trio principal de atores (ótimo) com todos os clichês do cinema de ação chinês dos anos 70 e 80 sendo aproveitodos de forma precisa por Zhang Yimou que aproveita para fazer uma homenagem aos filmes dos quais era fã, realizando seu sonho de dirigir um filme no gênero e para deleite dos espectadores de todo o mundo, também recria o gênero -chamado de "wuxia" -de forma magistral.

O Clã das Adagas chinesas que foi filmado na China e na Ucrânia,tem seu ápice em uma cena de luta e perseguição em um bambuzal, onde os casal Jin e Mei foge dos soldados enviados pelo governo ao mesmo tempo que luta para não se apaixonar. A cena toda é de tirar o folêgo assim como as reviravoltas do roteiro pois todos menos o capitão Ji, escondem alguma coisa, Mei, que não é cega, Leo que não é um agente do próprio clã infiltrado na polícia e o filme que durante a exibição vai revelando suas nuances até o final arrebatador.

Ficha Técnica:
Título Original: Shi Mian Mai Fu
Tempo de Duração: 119 minutos
Ano de Lançamento (China): 2004
Direção: Zhang Yimou Roteiro: Zhang Yimou, Li Feng e Wang Bin
Produção: William Kong e Zhang Yimou
Música: Shigeru Umebayashi
Fotografia: Zhao Xiaoding
Desenho de Produção: Huo Tingxiao
Direção de Arte: Han Zong
Figurino: Emi Wada
Edição: Cheng Long
Efeitos Especiais: Animal Logic / Digital Pictures Iloura / Menfond Eletronic Art & Computer Design Co. Ltd.
Elenco
Takeshi Kaneshiro (Jin)
Andy Lau (Leo)
Zhang Ziyi (Mei)
Song Dandan (Yee)

Os sons de 2005

2005-04-23T02:26:00.000-02:00

2004 foi um ano de grandes lançamentos de rock e 2005 não está sendo muito diferente. Só nestes 4 meses incompetos já tivemos lançamentos dos novos cds do Idlewild (4ºcd "Warning/Promisses"), Eastern Lane (2ºcd "The Article"), Josh Rouse (5º cd, "Nashville"), The Raveonettes (2ºcd "Pretty in Black"), Brendan Benson, New Order, estamos com o anúncio do lançamento dos novos cds também de Coldplay (X & Y), Ryan Adams (cd duplo!!!), White Stripes, Ordinary Boys, British Sea Power, Oasis e outros. Além disso estamos vendo algumas ótimas estréias como a do Bloc Party (Silent Alarm), Kaiser Chiefs ("Employment"), Bravery, Art Brut, Maximo Park, Others, Pitty Sing, Help She Can´t Swim, Tom Vek, Louis XIV, entre outros... Portanto aqui vai uma pequena lista de músicas para você correr atrás no seu software P2P predileto (eu uso Soulseek):

"We´re on Drugs", "CTWYL", "Anyway", "Radio" do Pitty Sing - Banda com influências de tecno-pop anos 80, lembra em algums passagens um Duran Duran com mais atitude em outras Psychedelic Furs e outras bandas pós-punk inglesas; Vale a conferida principalmente em "We´re on Drugs" boa letra (When she's not at home/I walk this world alone/Until she gets the phone/Go to sleep in this state/But as soon as I awake/The sun reveals her face/And then it comes when it feels like we're in love/Just remember we're on drugs) e uma boa levada.

"Formed a band", "My little brother" "Emily Kane" "Modern Art", "Moving to LA" do ainda nem lançado (mas já devidamente compartilhado em p2p)álbum de estréia do Art Brut (Bang Bang Rock n Roll), banda inglesa, som cru, meio punk bem no estilo das novas bandas inglesas pós-Libertines, vocal meio falado/gritado no estilo Mark E. Smith de ser e letras legais como a de "My Little Brother": my little brother just discovered rock ‘n’ roll, there’s a noise in his head and he’s out of control que termina com um conselho ao irmão mais novo: "Stay off the crack"

"Finding Out True Love is Blind", "Illegal Tender", "Marc" do Louis XIV, essas são do Ep "Illegal Tender" mas os caras -que são dos EUA, também já tem um cd lançado (Best Little Secrets are Kept) esse ano e ano passado andaram abrindo shows para o Killers. Influências de Glam Rock, Fall, Stooges e em "Finding Out..." um vocal feminino cantando o refrão: Wind you up and make you crawl to me Tie you up until you call to me de uma letra insana falada pelo vocalista Jason Hill: Ah chocolate girl, you're looking like something I want Ah and your little Asian friend well she can come if she wants. Já "Marc" é uma balada piano com solo de guitarra que vai fundo na influência de David Bowie/Marc Bolan e poderia ser uma faixa do Ziggy Stardust(Clássico de Bowie) sem problemas.

Logo mais coloco outro post com outras dicas (Rakes, Idlewild, Bloc Party e The Bravery)

A garota Perfeita

2005-04-23T01:03:00.000-02:00

Dia desses passeando pelas comunidades do Orkut deparei-me com uma dedicada à literatura japonesa e nela li comentários sobre Haruki Murakami, autor que teve dois de seus livros lançados no Brasil (Caçando Carneiros e Minha querida Sputnik) e que é um dos principais - senão o principal - autor contemporâneo do Japão, para muitos o sucessor de Mishima.
Já tive a oportunidade de adquirir o "Minha querida Sputnik" por um preço bem abaixo do normal em um sebo e não o fiz por desconhecer na época maiores informações sobre o autor.
Depois de uma busca na internet e alguns comentários sobre Murakami - quase sempre elogios - trechos de seus textos encontrei o conto "On seeing the 100% perfect girl" que conta de forma leve e rápida porém bem criativa o encontro fugaz de um homem de 32 anos em uma esquina de um bairro de Tokyo com aquela garota que seria a garota de sua vida caso ele tivesse parado, abordado a tal garota e dito que ela era a garota 100% perfeita para ele, embora não fosse bonita, nem tão nova, tivesse cabelos despenteados e nada de muito especial... mas e se a garota o desprezasse, ele se sentiria mal e talvez nunca mais se recuperasse, exatamente como quando um garoto leva um fora da "garota da sua vida" daquela semana... o conto é muito bom e deve ser lido (clique aqui para ler), em breve pretendo ler os livros de Murakami e ver se estão no mesmo nível desta narrativa curta porém brilhante!

Código 46

2005-01-20T13:40:00.000-02:00

"Num futuro não muito distante, as cidades são rigidamente controladas e o acesso só é possível por meio de pontos de checagem. As pessoas não são autorizadas a viajar a não ser que possuam o salvo-conduto, um seguro especial de viagem. Fora dessas cidades o deserto tomou conta, com os cidadãos sem seguro sendo segregados em bairros pobres. William (Tim Robbins) é um homem casado que trabalha como investigador de seguros. Quando sua empresa o envia para uma outra cidade para resolver um caso de salvo-condutos forjados, ele encontra Maria (Samantha Morton). Apesar de descobrir que Maria é a culpada pelas fraudes, ele se apaixona por ela. William volta para casa sem denunciá-la, mas não a esquece. Porém, quando o salvo-conduto forjado provoca uma morte, ele é obrigado a retornar à cidade para reencontrar Maria."

Esta é a sinopse de Código 46, filme dirigido por Michael Winterbottom, o mesmo diretor de "A festa nunca termina" e "9 songs". Tentei ver "Código 46" no Festival do Rio ano passado e não consegui por falta de tempo e só esta semana e mesmo assim estava com tanto sono que passei o filme todo brigando pra não dormir.

A história é essa do resumo, Tim Robbins é William, casado e pai de um filho, que é um investigador americano que descobre as coisas através de sua intuição em um futuro onde tudo é dominado por uma empresa (Sphinx) inclusive quem pode viver nas cidades ou não e se locomover de uma cidade para outra. Os miseráveis vivem a parte das grandes cidades em periferias ou em outras cidades pobres e só quem tem um salvo-conduto distribuido pela Sphinx pode se sair ou entrar em um cidade. Mas está acontecendo um tráfico de passes e William é enviado a Shangai (sede da Sphinx) para resolver o problema. A Shangai do filme é uma grande metrópole, multicultural, multiracial e isso é um ponto a favor do filme, que mostra como serãos as metrópoles daqui há alguns anos. O idioma é um inglês pontuado por diversos sotaques e acrescido de palavras de outros idiomas como espanhol, francês, chinês, etc.). O mundo em Código 46 é uma aldeia global e nessa realidade que William descobre a culpada pelo tráfico de passes, Maria interpretada por Samanta Morton - atriz inglesa de 28 anos que também atuou em Minority Report, Terra de Sonhos (indicação ao Oscar de melhor atriz) e Poucas e boas de Woody Allen (indicação ao Oscar de mlhor atriz coadjuvante). Os dois se apaixonam e William livra a cara de Maria acusando outro empregado da Sphinx.

O título do filme se refere a uma regra baseada em técnicas de clonagem que não permite relações entre pessoas que tenham sequências genéticas idênticas. Aí mora o perigo para William e Maria, ela engravida dele e sofre um aborto por parte das autoridades que também a fazem se esquecer de William, é nesta parte que o filme começa a tratar de outros dois temas que vão um pouco além da bem sucedida mistura de "Encontros e Desencontros" com "Blade Runner", as dificuldades nos relacionamentos num mundo cada vez dependente da tecnologia e frio e as questões relacionadas a memória. Depois do primeiro encontro Maria é "Programada" para esquecer William mas quando William retorna e a encontra presa (por ter engravidado dele) e a faz lembrar dos momentos em que viveram o amor ressurge para ser novamente tornado impossível pela corporação que dita as regras do jogo, essa impossibilidade do amor entre os protagonistas do filme alcança seu ápice nas cenas finais. "Warning Sign" do Coldplay tocando, o casal após ter fugido para uma cidade distante é capturado, ele é conduzido de volta ao USA e é programado para esquecer tudo que passou e viver sua vida normalmente com sua esposa e filho enquanto isso a canção diz "I miss you" e Maria vaga, exilada pela Sphinx e condenada a lembrar, a nunca esquecer o amor que só foi possível por um breve espaço do tempo. Como vem escrito na capa do dvd "No futuro, o amor é um jogo perigoso".
Filmão que ainda tem uma ponta de Mick Jones do Clash cantando "Should I stay or Should I go?" de sua ex-banda The Clash em uma cena em um bar, e uma excepcional trilha sonora e ótima fotografia.

Ficha Técnica
Título Original: Code 46, 90 min. Direção: Michael Winterbottom; Roteiro: Frank Cottrell Boyce; Produção: Andrew Eaton; Música: Joshua Hyams - Free Association
Fotografia: Alwin H. Kuchler e Marcel Zyskind
Com: Tim Robbins(William), Samantha Morton (Maria), Nabil Elouhabi, Togo Igawa (Motorista), Sarah Backhouse (Garota do tempo), Jonathan Ibbotson,Natalie Jackson Mendoza, Om Puri.

Will Eisner morre aos 87 anos

2005-01-05T19:06:00.000-02:00

O mundo dos quadrinhos, que definitivamente já não era mais o mesmo há algum tempo, ficou ainda mais pobre hoje, pois o gênio Will Eisner morreu aos 87 anos. Ao criador de Denny Colt, mais conhecido como Spirit e de uma série de álbuns que geraram o termo graphic novel como "O Edifício", "New York", "Um sinal do espaço" entre outras criações, fica minha homenagem póstuma. Lembro-me de que quando ainda era garoto de uns 8 ou 9 anos meu pai mostrou-me uma revista da década de 70 chamada "gibi" e nela além de outros personagens clássicos como Dick Tracy, Terry e os Piratas, Krazy Kat, Brucutu, Ferdinando estava o Spirit de Eisner, como não podia deixar de ser, tornei-me fã daquela espécie de anti-herói e com o passar do tempo continei lendo suas aventuras até conhecer as graphic novels de Eisner. A primeira que li foi lançada pela Abril aqui no Brasil, "O Edifício", daí li as outras e hoje com a notícia de sua morte, lembro-me também da morte do meu pai em Maio de 04, não esqueço o sorriso dele dizendo que "o Spirit é bom pacas" e era mesmo, agora... descansem em paz!

Will Eisner (William Erwin Eisner)

William Erwin Eisner ou Will Eisner como é mais conhecido, nasceu em março de 1917 em Nova Yorque.
Atua no mundo dos quadrinhos como desenhista e roteirista, é normalmente chamado de "mestre" pelos grandes nomes da HQs, sendo um dos mais influentes artistas dos quadrinhos neste século. Um de seus personagens mais populares é o detetive Spirit (1940).
Eisner criou, praticamente sozinho, o conceito de "Graphic Novel" com seu trabalho Um Contrato com Deus (1978). Outros trabalhos marcantes do autor são: O Edifício, No Coração da Tempestade, Nova York - a grande cidade, Um Sinal do Espaço (1972) e o livro teórico Quadrinhos e Arte Sequencial (1985). Embora não goste deste rótulo, Will Eisner é, muitas vezes, chamado de "o Orson Wells dos quadrinhos" e sua narrativa tem definitivamente muito dos enquadramentos do cinema. O criador do Spirit foi ainda tema do primeiro documentário da série "Profissão Cartunista".
do site http://www.gibindex.com

2004-11-28T15:14:00.000-02:00

são 5 da manhã, estou em meu caminho para o trabalho

eu fecho os olhos e os descanso e penso que minha vida tem sido um desperdício

então resolvo não perder mais tempo pensando e apenas mantenho

meus olhos fechados, eu os descanso, volto para o meu lugar,

meu lugar é o meu caminho para o trabalho.

Revista Found

2004-10-29T14:32:00.000-02:00

Davy Rothbart é um cara estranho... desde criança coleciona bilhetes perdidos e ao longo de sua vida ampliou o hobby passando a colecionar também fotos, cartas, desenhos, tudo devidamente "achado" nos lugares mais inusitados. Peter, irmão de Davy, também não fica atrás, é considerado "o maior achador do mundo" e vive de seus achados. Peter vive em Ann Arbor, cidade próxima a Detroit e sede da universidade de Michigan, e lá, costuma revirar o lixo dos estudantes à procura de "material", certa feita, junto com Davy encontrou 4 livros universitários que vendeu por U$ 130, até dinheiro já achou entre o lixo de Ann Arbor.
Com toda esta experiência, Davy - que trabalhou como cambista vendendo ingressos para eventos culturais e esportivos e hoje é comentarista de um programa de grande audiência em uma rádio chamada NPR além de escrever artigos para revista americanas - fundou a "Found" (nome sugestivo), revista anual, com 96 páginas que publica os achados de Davy, Peter e de quem mais enviar material para a revista (Já saiu inclusive, um bilhete daqui do Brasil). A revista tem tiragem de 40 mil examplares, 5 mil assinantes e é vendida nos 50 estados americanos por 5 dólares, o primeiro número saiu há 3 anos. Nas páginas da Found, o bizarro material, inclui, fotografias, bilhetes, listas de compras, orçamentos domésticos, cartas de todo o tipo, desenhos de crianças, tudo real. A Found na verdade alimenta o voyerismo de seus leitores revelando intimidades que às vezes são tão banais que chegam a alcançar status de arte.Em entrevista à revista Carta Capital (Nº 314 de 27/10/04) Davy Rothbart disse que os pequenos fragmentos de vidas diversas publicados na Found "são mais mais divertidos que ligar a televisão" pois "os reality shows são produzidos, há camêras por todos os lados, as pessoas estão atuando... já os autores desses bilhetes e cartas nunca esperaram que alguém os lesse". Realmente, na terceira edição da revista lançada este ano, encontra-se um orçamento onde o autor prevê despesas com advogados (US$ 250), bebida (US$ 600) e... crack (US$ 600) ! Este é o verdadeiro show da realidade!
Para saber mais consulte a matéria completa de Flavia Pardini na edição citada acima da Carta Capital ou o site da Found em http://www.foundmagazine.com/)

Nas fotos acima, exemplos de bilhetes e Davy Rothbart

The Killers - O cd do ano!

2004-10-27T01:10:00.000-02:00

The Killers é de Las Vegas,US mas parece uma banda inglesa, mais uma banda inglesa com influências de rock 80´s, brit-pop de bandas como suede, pulp e um pouco de rock de gente como David Bowie e até ... Queen, o som é pop e não tem nada de novo, tudo isso dito parece que "Hot Fuss" é apenas mais um lançamento entre os zilhões que saem todo ano lá fora e aqui mas não é bem assim... "Hot Fuss", é o primeiro cd dessa banda formada como já foi dito em Las Vegas em 2002 e formada por Brandon Flowers [vocais e teclados], David Keuning [guitarras], Mark Stoermer [baixo] e Ronnie Vannucci [bateria] e Hot Fuss é também, talvez, o melhor lançamento de rock (deixando de lado os rótulos) do ano (num ano concorrido com ótimos discos de bandas novas como Ambulance Ltd, Dresden Dolls, TV on The Radio, Hope of the States, veteranos como Morrissey, Sonic Youth, PJ Harvey e outras como Interpol, Thrills, Like Young, Ed harcourt e hypes chatos como Libertines e Keane).

Em cerca de 45 minutos de música, o Killers manda um clássico atrás do outro. Músicas pop redondas com refrões poderosos e que não saem da cabeça de quem ouve. Da abertura com "Jenny was a friend of mine", passando pelos hits rock "Mr. Brightside", "Smile like you mean it" e "Somebody Told me" -com influências de dance music no refrão pegajoso - você encontra também músicas lentas como "Andy You´re a Star" com seu final que lembra Bowie, a trilha sonora de Hedwig, etc. e "Everything will be alright", encontra ecos de Queen na maravilhosa "All these thing that I´ve done" com seu refrão, I´ve got a soul but I´m not a soldier cantado por um backing vocal feminino no melhor estilo soul e também se descobre que todos precisamos de "Indie Rock´ n Roll", glamuroso, enfatiza o letrista e vocalista Brandon Flowes (Glamorous Indie rock'n'roll is what I need It's in my soul, it's what I need Indie rock'n'roll, it's time...It's Indie rock'n'roll for me). Indie Rock n Roll do Killers, que ao vivo também é uma excelente banda (nos programas de troca de arquivos dá para baixar o show deles no Glastonbury Festival deste ano e apresentações deles ao vivo em programas de TV como Jools Holland).
Na versão americana do cd, no lugar da citada "Indie Rock & Roll" saiu a música "Change your mind" um pop rock excelente com uma levada que lembra Strokes e sendo este detalhe o único que aproxima o Killers das bandas americanas atuais. Sem dúvida um dos destaques do ano e em minha opinião, o melhor!

Jim Dodge

2004-10-17T19:12:00.000-02:00

JIM DODGE is the author of three hilarious cult novels.

Fup is a classic tale about a 20-pound duck who can't fly, Grandaddy Jake Santee who believes he is immortal, and Tiny, whose passion is building fences. The book is now in its twelfth printing and has been translated into 14 languages. Not Fade Away is a rock'n'roll road trip through human nature in a big old car, and Stone Junction, a high-flying, free-spirited parable about the powers within us all.
(fonte: http://www.writersontheedge.org/dodge.html)

LOVE FIND

Após o atentado à bomba em Oklahoma City
cães treinados em resgates
foram enviados com seus tratadores
de todos os lugares dos EUA

Porém quando os cães não achavam
nenhum sobrevivente
ficavam desconsolados,

e depois de mais um dia de nada
além de corpos mortos,
nem mesmo procuravam,
tamanha sua desorientação.

Então os tratadores se escondiam
em turnos nas ruínas,
permitindo que os cães lhes achassem vivos.
(Tradução de Joca Reiners Terron - http://www.hellhotel.blogger.com.br/)

Jim Dodge 2

2004-10-17T19:11:00.000-02:00

VOVÔ JAKE E O VELHO SUSSURRO DA MORTE

Vovô Jake é um velhinho daqueles que não se mete na vida de ninguém e detesta que alguém se meta na dele. Quando algum pentelho se atreve a quebrar essa regra básica de convivência, primeiro ele procura fazer o sujeito entender, o mais rápido possível, que o melhor que tem a fazer é cair fora o quanto antes. Se o argumento número 1 não funcionar, ele parte para o argumento número 2: um velho trabuco calibre 42.

Vovô Jake cria seu único neto, Miúdo, um grandalhão de dois metros de altura e mais de um metro de largura. Miúdo gosta de fazer cercas. Vovô Jake gosta de jogar cartas.

Uma noite, voltando de uma jogatina, ele encontra um vulto caído no beco. Quando se aproxima, percebe a figura de um velho índio, que acabou de ser esfaqueado. O índio pede que ele se aproxime e entrega-lhe um papel com uma fórmula escrita a mão. É a receita de um uísque caseiro. Antes de empacotar, diz: essa bebida vai tornar-lhe imortal.

Vovô Jake segue a fórmula à risca e consegue fabricar o uísque. Um troço fortíssimo, que os vizinhos utilizam como combustível em seus velhos jipes.

Vovô Jake toma meio litro por dia. O nome do uísque: O Velho Sussurro da Morte.

A fama do uísque se espalha. Um dia, um riponga aparece no rancho de Vovô Jake querendo provar uma dose. O intruso informa que já provou de tudo nessa vida: ácido, anfetamina, heroína, morfina, maconha, cocaína. Só falta um trago do Velho Sussurro da Morte para conseguir uma definitiva "transformação mental".

Vovô Jake não está nem aí com a odisséia drogada do riponga, mas, diante da insistência, acaba cedendo. O riponga toma meio copo. Ó o que acontece com o cara:

"O cabeludo, apesar de visivelmente perturbado depois do primeiro gole, conseguiu fazer descer mais seis ou sete, rapidinho, antes de cair duro na varanda da frente e começar a se contorcer de tal maneira que Patrão, o cão de Miúdo, intratável e sempre excitado, achegou-se e tentou comê-lo. Esse ato causou no rapaz uma transformação mental difícil de entender mas, para o vovô, o cabeludo deve ter achado que era um guaxinim ou coisa parecida, pois imediatamente disparou para a nogueira do quintal da frente, subiu nela num só pulo, gigantesco, e passou as três horas seguintes entre os galhos nus, arquejando como um urubu doente. Na primeira hora ele chorou. Na segunda, riu. Na terceira, permaneceu quieto. No começo da quarta hora, inclinou-se para a frente e caiu como um saco de grão molhado. Quebrou os dois braços."

Isso é Fup, livro de Jim Dodge (publicamos um poema do maluco na Coyote 2, traduzido pelo Joca Terron). Encontrei o livro na casa do Marquinhos Losnak, em Londrina, no final de semana passado. Comecei a ler e não parei mais.

Mas Fup não é apenas vovô Jake: tem mais dois personagens fundamentais, além do neto Miúdo: o pato, depois descobrem, pata, Fup (daí o nome do livro) e o porco-do-mato Cerra-Dente (que vovô Jake acredita ser a reencarnação do velho índio Sete Luas, que passava algumas tardes com ele bebendo do Velho Sussurro da Morte).

O livro é divertidíssimo. Muito bem escrito. Indicado para todos aqueles que estão sofrendo do terrível mal de levar a vida a sério demais. Especialmente aqueles gringos xaropes, red necks, reaças e ex-alcoólatras que, por falta de diversão, resolvem meter o bedelho na vida dos outros e jogar bombas para todos os lados.

Vovô Jake ficaria muito bem em um filme de Jim Jarmush

fonte: http://zonabranca.blog.uol.com.br/arch2004-05-16_2004-05-22.html

Você precisa ouvir TV on the Radio

2004-10-17T19:08:00.000-02:00

O álbum do TV on the Radio é estranho, mas encantador.

O lirismo desesperador das composições, o mergulho em referências de soul, gospel, de artistas dos anos 70 e o refinamento instrumental de suas músicas trazem uma originalidade --conceito meio fora de moda no pop de hoje-- particular ao TV on the Radio e a este "Desperate Youth, Blood Thirsty Babes". Mas há, também, "a" voz...

O timbre dos vocais de Tunde Adembipe vem sendo comparado aos de Peter Gabriel (da fase Genesis) e de Nina Simone (1933-2003). No papel, parece meio esquisito, mas, neste álbum de rock inclassificável, faz todo o sentido.

E é curioso e sintomático que uma das melhores músicas de "Desperate Youth" seja, na verdade, do EP "Young Liars", que o grupo lançou em 2003. Curioso porque "Staring at the Sun" é a canção mais "simples" do álbum, sem tantas variações e que pende para um lado pop; e sintomático porque demonstra que este disco não aconteceu "por acaso": "Young Liars", com suas cinco músicas, é também quase uma obra-prima --ali se encontram a hipnótica "Satellite" e um cover dos Pixies, "Mr. Grieves".

Com "The Wrong Way", o TV on the Radio inicia o CD revelando: "Suas armas estão apontadas para o lado errado". Com sopros e uma batida minimalista, a princípio parece território do White Stripes, mas a canção vai aos poucos se desenrolando por meio de um aparato bem psicodélico.

Muito do que representa o TV on the Radio está em "Dreams", um quase-épico belamente destruidor. "Todos os seus sonhos estão acabados/ E todas as suas asas já caíram", eles declaram. Adembipe e sua voz soul, puxada por guitarras e barulhos, constroem, ao lado de "Staring at the Sun", duas das mais inspiradoras canções do ano no rock. Difícil encontrar algo tão sublime e inebriante quanto isso.

A viagem que nos proporciona o TV on the Radio vai passando por caminhos já abertos por gente como Wire, Talking Heads, Flaming Lips e Sonic Youth, ora com uma angustiante economia rítmica (como em "King Eternal"), ora com elementos gospel (caso de "Ambulance"). "Wear You Out", fecha o disco de forma lenta, com uma percussão ao fundo e teclados impulsionando o ritmo.

Há uma certa auto-indulgência aqui e ali, nota-se em "Bomb Yourself", mas está longe de comprometer o todo. Com este álbum, o TV on the Radio conseguiu fazer do experimentalismo algo encantador. Estranho, mas encantador.

Desperate Youth, Blood Thirsty Babes
Avaliação:
Artista: TV on the Radio
Lançamento: Touch & Go

fonte: Folha de S. Paulo - Thiago Ney

Estou lendo

2004-10-17T19:07:00.000-02:00

Estou lendo "Bombons Chineses" da Mian Mian - Geração Editorial
(capa do livro na foto ao lado)

O livro fala sobre as esperanças e desesperanças da juventude em uma China visivelmente em transformação, oscilando entre o rigor da tradição e a abertura a valores ocidentais. Mian Mian faz uso de uma linguagem que vai do chocante à poesia para narrar a história de uma jovem entre drogados, prostitutas, arruaceiros, rockers e sobretudo para falar de sua busca desesperada pelo amor. Estou quase no fim e gostando muito do livro que se não é um clássico de todos os tempos é ótima literatura e boa chance para se conhecer um pouco mais de uma cultura distante da nossa e de nossas matrizes de sempre(USA e Europa).

Mian Mian nasceu em Shangai em 1970 e começou a escrever aos 16 anos, aos 17 abandonou a escola e em 1994 ingressou pela primeira vez em uma clínica para reabilitação de drogados. Em 1996 começou a trabalhar como DJ em um clube de Shangai e a publicar contos que vinha escrevendo desde sua saída da clínica em revistas de literatura. Em 1997 foi lançado seu primeiro livro, a coletânea de contos autobiográficos "La La La". Desde 97 Mian Mian organiza raves que chegam a reunir até 2000 jovens.
Em 2001 a escritora produziu seu primeiro filme "Shangai Panic" trabalhando como co-produtora, roteirista e atriz. Dirigir um filme faz parte de seus planos assim como levar uma vida pacata longe de suas experiências anteriores de vida que serviram de pano de fundo para suas histórias. Ela afirmou certa vez:"Eu tive um problema com drogas mas atualmente não escrevo muito sobre se drogar. Em meus livros eu estav escrevendo sobre liberdade e controle. Eu era uma garota com problemas. Então todos os meus amigos e amigas tinha problemas. Mas o que está feito está feito não há como reclamar. Eu feri e preocupei meus pais. Meu marido não se importa com meu passado. Aquilo tudo aconteceu há muito tempo atrás". A autora, mãe de uma filha de 4 anos e casada um inglês 3 anos mais novo que ela, ainda diz que o importante na China atual é a educação e que educação não tem a ver com boas notas mas deve ter como base "ensinar o amor e a confiança para as crianças"

fonte: site da Geração Editorial e http://straitstimes.asia1.com.sg

A garota que cobra as entradas

2004-10-17T19:01:00.000-02:00

a garota que cobra as entradas
sorriu quando olhou pra mim
isso não quer dizer nada:
ela sorri pra qualquer um
que tenha quatro reais na mão

a garota que cobra as entradas
tem o sorriso mais lindo
de todo o hemisfério sul
sorriso que logo se esvai
quando quatro reais trocam de mãos

a garota que cobra as entradas
faz parte do show
a banda tem uma bateria feita com as peles dela
toca guitarras feitas com os ossos dela
toca a música que os ouvidos dela querem ouvir

a garota que cobra as entradas
injeta uma overdose de dor
através de dois olhos azuis
eu saio com o coração em pedaços
ela sai com meus quatro reais

autor : Canetti

site: http://www.tipos.com.br/blog/36/?/offset/45

Dia desses ao entrar em um restaurante para almoçar e receber um sorriso e um sonoro "bom dia!" da menina que fica na porta fiquei me perguntando como deve ser chato trabalhar nesses lugares em que você tem que sorrir para quem você nunca viu e provavelmente nunca mais irá ver, sorri, aguentar piadas, desaforos, chatices e o tempo todo parecer feliz, ser educado e falar estas frases politicamente corretas de atendente de telemarketing... e subitamente reparei que de certa forma, em todos os lugares e profissões você tem que ser assim, e não apenas no trabalho mas em toda sua vida, você tem que ser outra pessoa para se relacionar com outras pessoas... voltando do almoço para o trabalho, ao fazer uma busca na internet por outro assunto que obviamente não tinha nada a ver com isso, deparei-me com o texto acima e vi que não apenas eu penso essas coisas, é claro que o autor do texto, expressou-se bem melhor e escreveu um texto bem legal mas no dia a dia , dá vontade de pedir os 4 reais de volta! :-)

The Dresden Dolls

2004-10-17T18:58:00.000-02:00

Eu já estava com esse cd há algum tempo em casa mas sabe quando você não leva fé em uma banda? Pois é, li alguma coisa sobre eles em um site de música dos eua e na coluna do Lucio Ribeiro e resolvi dar uma chance às "Bonecas de Dresden" que têm esse nome mas são na verdade, um cara e um garota (Brian viglione e Amanda Palmer) , e são de Boston, a terra dos Pixies. mas e quanto ao som? no site oficial (http://www.dresdendolls.com) eles se definem como "...brechtian punk cabaret..." e é isso mesmo... um duo em que a garota canta e toca piano e o cara toca bateria, com influências de Teatro e som de cabaret, inclusive no visual e e que faz tudo isso soar ROCK e do bom diga-se de passagem. O piano e a voz de Amanda são os destaques de um som que a princípio me cheirava a algo antiquado ("darqui" lembra?) mas ao contrário como disse a Rolling Stone já no ano passado, é um dos grupos mais criativos e realmente originais dos últimos tempos. O grupo tem influências fortes de PJ Harvey, som gótico dos 80´s, Nick Cave, David Bowie mas processa tudo a seu modo e faz um som muito legal de se ouvir, você nem vai sentir falta das guitarras. O disco saiu em Abril nos EUA (mas eles têm outro chamado "A is for Accident" que tem algumas músicas desse "primeiro oficial") . Visual é outro atrativo, os clips de "Girl Anachronism" e "Coin-Ordinated Boy" são muito bem produzidos reproduzindo as influências de teatro e cabaret da dupla, inclusive no clip de "Girl..." dá a impressão que a Amanda tal qual um Jerry Lee Lewis com a cara pintada e alucinado vai subir em cima do teclado ou tocá-lo com os pés! O cd é todo bom mas como destaques eu citaria "Half Jack", "bad Habit" "The Perfect Fit", a maravilhosa "Truce" e tenter ouvir a pop "Jeep Song" e não cantar junto o "paparapapa" do refrão. Recomendo a todos.

Crimes em Wonderland

2004-10-17T18:57:00.000-02:00

Direção Roteiro: James Cox
Elenco: Val Kilmer (John Holmes), Kate Bosworth (Dawn Schiller), Lisa Kudrow (Sharon Holmes), Josh Lucas (Ron Launius), Dylan McDermott (David Lind), Tim Blake Nelson (Billy Deverell), Christina Applegate (Susan Launius), Eric Bogosian (Eddie Nash), Carrie Fisher (Sally Hansen), Paris Hilton (Barbie)
Duração: 104 min. Gênero: Policial/Drama

O filme conta a história de John Holmes astro do cinema pornográfico norte-americano dos anos 70 que a partir dos 80´s entra em decadência por causa de seu envolvimento com drogas pesadas. A trama se concentra na passagem mais obscura da vida de Holmes (morto em 89 em decorrência de AIDS) interpretado por Val Kilmer de forma bastante convincente ainda que lembre demais o Jim Morrison, ainda mais nas cenas em que John Holmes está drogado o que aliás acontece quase o filme inteiro ;-) O diretor James Cox narra o envolvimento de Holmes com um bando de assaltantes que rouba a casa de um dos maiores traficantes de Los Angeles, Eddie Nash, e este bando é claro, acaba se dando mal, ou melhor chacinado pelos capangas de Nash. Como tudo começou, Holmes traiu os parceiros ou não, participou da chacina ou só a testemunhou, é isso que o filme conta através de diferentes versões da história, edição picotada e falas entrecortadas (lembrando um pouco o U Turn do Oliver Stone), uma excelente trilha sonora rock, muita droga e um um pouco de confusão, o que se por um lado reforça a história verdadeira que ficou envolta em mistério, por outro faz com que o filme não aproveite todo o potencial que este episódio da vida de Holmes tem para dar uma ótima trama. O filme conta com boas atuações principalmente de Val Kilmer, Lisa Kudrow (fazendo esquecer a Phoebe do seriado "Friends" no papel de ex-esposa de Holmes, Kate Bosworth e Dylan McDermott, por outro lado bons atores como Christina Applegate, Eric Bogosian (que interpreta Eddie Nash) e Carrie Fisher não têm seu talento aproveitado. Para resumir, um filme bom mas apenas na média e que poderia ter rendido mais se levarmos em conta o material e o elenco que o diretor James Cox -este é seu terceiro filme, sendo os anteriores Rock Star (99) e Fuga Desenfreada(02) - tinha nas mãos.
Filme exibido no Festival do Rio 2004 e sem previsão de lançamento em cicuito comercial.

LP - Ambulance Ltd.

2004-10-17T18:54:00.000-02:00

O Ambulance Ltd é uma banda nova e
é de Nova Iorque (brooklyn) e estas são as únicas
semelhanças ele têm com grupos como Strokes, Interpol, Radio 4, Rapture,
Yeah Yeah Yeahs, etc. O Ambulance não está interessado naquele rock dos anos 70
e início dos 80 inspirado em punk/new wave
(que também produz bons grupos como os que citei antes) mas sim no rock inglês do
fim dos 80´s e início dos 90´s, por isso, em todo os disco ouvem-se vocais a
la Teenage Fanclub, Beatles e som típico de bandas como Ride, My Bloody Valentine,
Bodines e um pouco de Pink Floyd e Velvet underground (o cd traz, inclusive em uma faixa
"escondida" uma cover de "Ocean" do Velvet e Lou Reed andou elogiando a banda em
entrevistas recentes).

O cd começa contrariando os padrões com um instrumental de quase 5 minutos, "Yoga Means union".
A música seguinte "Primitive"(The way I treat you) tem um vídeo bem legal que pode ser visto no site oficial (http://www.ambulancenyc.com)
da banda e é a faixa que menos se encaixa no perfil shoegazer dos caras, é um rock bem
direto, a partir daí, o som passeia com competência e estilo por belas músicas pop como
"Anectode", "Ophelia" e "Stay where you are" passando por canções mais dentro
daquele espírito indie com bastante guitarras, efeitos e ecos de My Bloody Valentine
como "Swim", "heavy Lifting" e "Young Urban" (que começa plácida e termina no melhor
estilo Velvet underground com as guitarras e teclados se atropelando e fazendo o bom
e velho barulho).

o grupo formado por Marcus Congleton (vocal/guitarra), Benji Lysaght (guitarra), Matt Dublin (baixo),
Andrew Haskell (teclado) e Darren Beckett (bateria) teve este seu primeiro cd - curiosamente
chamado "LP" - teve algumas faixas produzidas por Jim Abbiss que produziu o último do
Placebo. Ambulance e Placebo também fizeram shows juntos recentemente e atualmente a banda
está em turnê com outra banda americana que também mais parece uma banda inglesa, The killers
e que como o Ambulance também é muito bom.

"LP" que além do som excelente também tem letras bem inteligentes, é um dos ótimos lançamentos de 2004 ao lado de Killers, Hope of the States,
Razorlight, Interpol, PJ Harvey, Secret Machines, TV on The radio, Dresden Dolls, Ed Harcourt e outros.
Procure ouvir e comprove um dos melhores cds dos últimos tempos e uma nova promessa para
a música pop, Ambulance Ltd. Guarde este nome!